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• Poésie, intensité et résilience dans la mode avec Alia Baré

  Alia Baré, créatrice de mode nigérienne, incarne une démarche authentique et engagée. Des bijoux aux vêtements, Alia Baré aime concevoir une silhouette jusqu’aux moindres détails. À travers ses collections inspirées de la mythologie, la nature et de ses expériences personnelles, elle tisse un pont entre tradition et modernité, tout en valorisant le savoir-faire artisanal africain. Alia Baré privilégie la production en petites séries et le sur-mesure pour limiter le gaspillage et garantir une fabrication soignée, tout en mettant en avant une mode respectueuse de l’environnement et des personnes. En 2025, elle fête les 10 ans de sa marque éponyme.  « Je suis à fleur de peau, je ressens souvent les choses très fortement. Le fait de pouvoir créer, de pouvoir donner un sens à travers les couleurs, le défilé, la musique, les paroles même de la chanson ont une signification. Au début, de mes premiers défilés, je pleurais comme une madeleine parce qu'il y avait un effet de catharsis où tout sortait et je guérissais aussi. »  Artiste et entrepreneure née au Niger, à Niamey, avec un père diplomate, Alia Baré a grandi entre la France et l’Algérie. Elle a poursuit des études dans une école de commerce à Paris : « J'ai toujours été très timide quand j'étais plus jeune et ce passage dans cette école de commerce m'a permis de m'ouvrir, de m'épanouir, d'être dans un environnement différent en France. J'ai pu affirmer ma personnalité dans la mesure où je suis la deuxième d'une fratrie de cinq enfants et chacun a une forte personnalité. J'avais tendance à me mettre plutôt en retrait par rapport à mes autres frères et sœurs, et là, cela m'a permis de développer mon individualité. Par la suite, je me suis mariée et j'ai suivi mon mari en expatriation, d'abord en Inde, puis à Singapour. »   À lire aussiMida Style : l’amour de la mode et de la réconciliation de Boubacar AG Midaye   Alia Baré débute sa carrière en tant que conseillère, cliente et gestionnaire de patrimoine dans le milieu bancaire. Puis, elle suit son mari en Inde et cette période d'expatriation la transforme. Elle explore la création en bijouterie et en textile.  « J'ai toujours aimé créer, manipuler, faire des dessins, des coloriages, des bricolages et je touchais à tout. J'avais une petite machine à coudre et j’effectuais des travaux à la maison, décoration d'intérieur, sinon, c'était de la peinture... J'ai fait le design de bijoux, pendant deux ans. Cela m'a plu, j'ai passé plusieurs diplômes dont un en gemmologie et j'ai créé ma marque de bijoux sur mesure. Ce sont des bijoux en or, diamants, ou pierres semi-précieuses. J'ai commencé à les vendre quand je venais à Paris ou en Afrique et j’ai rencontré un franc succès. Cet amour des bijoux et des pierres se retrouve souvent dans mes tenues et dans mon choix de couleurs, parce que j'aime les couleurs. J'appelle ça les couleurs "pierres précieuses", comme le vert émeraude, rouge rubis, ou le bleu saphir. Ce sont des couleurs qui sont intemporelles, très élégantes. En cas de doute, avec ces couleurs, vous ne pouvez pas vous tromper. Cela fait partie de mes codes couleurs qui reviennent régulièrement. C'est pour cela que j'aime beaucoup le milieu de la mode, parce qu'on arrive à concilier tous les domaines artistiques et les mettre ensemble. Je cherche vraiment à transmettre une émotion, une sensation. » Après l’Inde, Alia Baré, s’installe à Singapour, ne pouvant plus assurer le suivi de la production de ses bijoux, elle se forme aux métiers de la mode. Avec son engagement éthique, elle valorise les artisans locaux et aspire à faire rayonner la richesse de l’Afrique à l’échelle mondiale. En 2015, elle y lance sa marque éponyme.  « Bien qu'étant du Niger, Dakar, c'est un peu ma seconde maison et c'est là où je suis venue. J'y ai tout de suite ouvert mon atelier. En 2015, je saute dans le grand bain à peine diplômée. Je n'ai pas fait de stage long, j'ai fait mon stage d'école à Singapour, mais je n'ai pas fait de stage dans une maison de couture. Là, pour moi, il n'y avait pas de temps à perdre. Il fallait foncer et me jeter à l'eau. Le plus difficile était de constituer une équipe. Mais il se trouve qu'une de mes amies connaissait un chef d'atelier, qui très doué, et j'ai dû le démarcher, le convaincre. Je lui ai dit : "C'est une aventure que je commence. Crois-moi, si tu me suis, si tu me fais confiance, on fera de belles choses ensemble, on sera une équipe à part entière". Et jusqu'à aujourd'hui, il est avec moi et on travaille ensemble. Tout ce travail, je n'y serais pas arrivée sans lui non plus. Il y a donc aussi cette gratitude par rapport à ce que certains appellent les petites mains. Les petites mains, c'est souvent associé aux techniques de perlage, aux petits détails. Mais il y a aussi des personnes comme les chefs d'atelier, les coupeurs et autres, qui font un travail extraordinaire et qui permettent de donner vie à nos envies, à nos rêves. » La mode transforme la douleur ou la joie. Pour Alia Baré, c’est une forme de guérison. « Enfant, j'étais quelqu'un d'assez introvertie et la création est devenue une manière d'exprimer tout ce que je ressens. Je ressens très intensément, je suis une hypersensible. J'ai perdu mon père à 17 ans, et c'est quelque chose qui m'a beaucoup affectée. La création me permettait de sortir toute cette douleur sans avoir à parler. C'est une thérapie. Au fur et à mesure, mes collections ont évoluées. Si on regarde rétrospectivement, mes premières collections étaient très noires. C'était du noir, du cuir. C'était torturé, et au fur et à mesure, c’est devenu plus léger. »   À lire aussiEmma Style : la mode et l'accompagnement des femmes, par Emmanuelle Jodan Adjovi   La sensibilité d’Alia Baré aux couleurs et aux matières nourrit ses collections. Son processus créatif, sensible et flexible, puise dans la mythologie, la nature et son vécu. « Mes amis se moquent de moi parce que je dis que la matière est poétique. J'ai l'inspiration du poète. Par exemple, il y a un an, j'ai fait une collection inspirée par le tableau "Les nénuphars" de Claude Monet, que j'adore. J'ai pris les feuilles de nénuphars, mais j'ai décliné un peu en abstrait. J'ai décliné les couleurs, le turquoise, certaines petites pointes de bordeaux et autres, et j'en ai fait toute une collection sur le côté nymphéas avec des femmes en fleurs dans un jardin. Cela peut partir de l'amour. Si je ressens énormément d'amour, si je tombe amoureuse, les gens qui me connaissent le savent parce qu'il y a une légèreté qui se dégage, dans les couleurs aussi. C'est également le cas quand je suis triste. J'ai connu une rupture très douloureuse et j'ai fait une collection qui s'appelait Narcisse et Écho. J'adore la mythologie grecque, donc la nymphe Écho qui devient un écho par rapport à l'amour non partagé de Narcisse, qui lui aussi meurt de son amour-propre, parce que cette personne était narcissique. J’ai guéri de cette relation à travers cette collection. » Pour ses créations, Alia Baré utilise des matériaux durables, de qualité qui témoignent aussi de la richesse de son héritage, tout en adoptant une esthétique contemporaine. « En ce moment, je suis complètement in love de l'Aso Oke, un pagne tissé du Nigeria. Il y a quelque temps, c'était le batik. J'aime beaucoup. Ces matériaux arrivent à donner une intensité, c'est-à-dire qu'il y a une qualité beaucoup plus importante que ce qu'on va retrouver parfois au Sénégal. Parce que le problème, c'est que parfois, dans le travail de l'artisanat, il y a une perte de qualité. Les artisans bâclent un peu le travail. C'est dur à dire, mais souvent, on perd en qualité de certaines matières. Il y a deux ans, j'étais complètement dans le bogolan, c'était incroyable. J'adore aussi la soie, la vraie soie naturelle. Le vrai batik d'Indonésie sur soie, c'est d'une poésie extraordinaire, aussi dans l'intensité des couleurs. La dentelle de Calais ou de Chantilly par exemple, j'adore. Je suis une fan de tissus. En ce moment, je suis à fond dans ce qu'on appelle Aso Oke, c'est yoruba, avec des grandes intensités de couleurs, qui tournent aussi des rayures, donc on a une possibilité de s'amuser sur ces rayures. J'adore les fleurs, j'aime beaucoup le côté cursif et instinctif naturel des fleurs, mais j'aime beaucoup aussi la rectitude des lignes. L’un n'empêche pas l'autre. » La préservation des métiers d’art traditionnels africains, souvent menacés par la mondialisation, est essentielle aux yeux d’Alia Baré. « Pouvoir déjà obliger ces artisans à maintenir des standards de qualité... En règle générale, pour des petits détails qui ne vont pas sauter aux yeux de prime abord, disons une tenue même, on passe d'un temps simple à un temps doublé, voir triplé, quand certaines étapes doivent être respectées. L'enjeu, c’est comment le faire comprendre aux tailleurs. Moi, je les paye pour qu’ils n’aient pas cette pression. Quand il y a un défaut sur une tenue, il faut qu'ils aient le temps de défaire et refaire sans que cela n’ait un impact sur leurs revenus. C'est très important qu'on puisse leur donner le temps de bien travailler dans des conditions correctes. Ensuite, les artisans, les tisserands, il faut leur donner des débouchés. Le principal, à travers l'amour du métier, c'est de ré-insuffler cet amour. Il y a des initiatives avec des maisons qui créent des écoles où on enseigne ce savoir-faire. L’État commence au fur et à mesure à investir. En dehors de l'État, il y a également des organismes qui permettent de former les jeunes générations sur ces standards, et c'est notre pierre à l'édifice d'assurer à ces artisans que nous continuons à travailler leur matière et que nous les rémunérons correctement. En Afrique, ce qui est important, c'est cette cohésion sociale qui maintient un équilibre. Et cela, quoiqu'il arrive, peu importe notre niveau de développement, c'est quelque chose qu'on ne doit pas perdre. C'est ce qui fait notre beauté, c'est ce qui fait notre singularité.  »    Abonnez-vous à "100% création"  "100% création" est disponible à l’écoute sur toutes les plateformes de podcasts : PURE RADIO, Apple Podcast Castbox Deezer Google Podcast Podcast Addict Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS.   Si vous aimez ce podcast, donnez-lui 5 étoiles et postez un commentaire sur ces applications pour qu'il soit visible et donc encore plus écouté  Retrouvez-nous aussi sur nos réseaux sociaux : Instagram 100% Création Facebook 100% Création-RFI

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• De Sokodé à l'Alsace, le rêve d'une mode pour toutes de Nadiya Rauscher

  Designer franco-togolaise, Nadiya Rauscher a grandi entre le Togo et le Gabon. Formée à la mode à Libreville, elle s'installe en France et plus précisément en Alsace. Ce parcours biculturel lui permet de fusionner dans ses créations authenticité et modernité en faisant de son identité un véritable atout. Son enfance a été marquée par la diversité culturelle, la musique, la danse, et l'artisanat local. Ces premières années ont forgé sa sensibilité esthétique, qui se retrouve dans ses collections. Nous l'avons rencontrée lors du Yas FIMO228 à Lomé. « Créer, coudre, c'est ma vie. J'adore. C'est ce que je sais faire de mieux. Une joie de vivre, nous a confié Nadiya Rauscher, fondatrice de la marque éponyme. Je couds, je dessine tout le temps. Je travaille aux heures normales et après, je suis tout le temps à l'atelier, je travaille, je crée, je chine aussi pour trouver des tissus en coupons, ce qui me permet de faire des pièces uniques. » Nadiya Rauscher est née à Sokodé, au Togo, dans une famille de couturières et couturiers. Dès son enfance, elle a été bercée par le tissu, la couture et l'artisanat. Elle a donc grandi dans un environnement où la créativité était une évidence : « Quand on est enfant, être dans un atelier de couture avec les chutes de tissu par terre, pour une petite fille, c'est une manière de faire des petites robes pour sa poupée. C'est comme cela que cela a commencé. Puis, au fur et à mesure, à force de traîner dans les ateliers, on nous envoyait aller acheter des boutons, des fermetures. Pour moi, c'était un jeu d'enfant. J'aimais bien, mais je n'avais pas ce métier comme rêve. À 14 ans, mon rêve, c'était de devenir architecte. Mais la mode était en moi sans que je le sache, parce que je commençais à faire mes vêtements moi-même. À 16 ans, je suis allée vivre au Gabon, à Libreville. Chez nous, les Kotocoli, quand il y a un mariage ou un baptême, il y a toujours l'uniforme, le pagne. Tout le monde doit porter le même pagne. Et moi, j'aimais bien avoir un style particulier. Je me faisais mes propres vêtements cousus à la main. Je travaillais dans une famille comme nounou, et il y a une dame qui m'a repérée en train de coudre. Elle m'a posé la question : "Qu'est-ce que tu fais ici, pourquoi es-tu nounou ?". J'ai dit : "Bon, il faut bien que je gagne ma vie." C'est elle qui m'a encouragée à aller apprendre la couture dans un atelier. Elle m'a envoyée chez un de ses amis couturier. J'ai travaillé dans cet atelier six mois. Et un an après, j'ai décidé de m'inscrire dans une école de design de mode. » Au Gabon, Nadiya Rauscher étudie la mode, participe à des concours, expose ses créations. Elle connaît la théorie aussi bien que la pratique : « À l'école, nous commençons tout doucement. Alors que dans un atelier de couture, avec un couturier sur place, ce n'est pas la même chose. C'est tout de suite dans la couture. Après, les deux se combinent très bien. Je trouve que c'est génial si on arrive à combiner les deux, parce que quand on devient créateur, on en a besoin surtout pour transmettre. Aussi, on a besoin de la théorie. Il faut expliquer pourquoi on fait ci, pourquoi et comment il faut travailler telle matière, il faut tel thermocollant, tel bouton, il faut expliquer... Dans un atelier, ce n'est pas tout à fait la même chose, mais je pense que le travail final revient au même. » Lorsque Nadiya Rauscher s'installe en France, en Alsace, pour suivre l'amour et ses rêves, son arrivée lui offre la possibilité de s'ouvrir à la mode internationale tout en conservant ses racines, son histoire. Elle crée, en 2017, sa marque éponyme, puis ouvre sa boutique quelques années après. « J'ai rencontré mon mari à Libreville. C'est l'amour qui m'a fait partir de Libreville et me retrouver en France, en Alsace. J'ai dû tout recommencer, arriver dans un pays où je ne maîtrisais pas encore la culture et les mœurs. Ce n'était pas évident, mais je croyais en moi, et la passion qui m'animait m'a permis d'arriver où je suis aujourd'hui. J'ai d'abord travaillé dans le prêt-à-porter hommes et femmes, et quelques années plus tard, j'ai créé ma marque. Quand j'ai créé ma marque, je n'ai pas ouvert la boutique tout de suite. Je me suis mise à mon compte. J'ai ouvert la boutique en 2021. Au début, quand je suis arrivée en France, j'avais ce rêve-là d'avoir ma boutique, de créer ma marque, mais je ne savais pas par où commencer. Je ne maîtrisais pas les codes du pays. C'est arrivé au fur et à mesure, et le fait d'avoir travaillé dans des magasins de prêt-à-porter pour femmes et hommes m'a beaucoup apporté. Quand j'ai ouvert ma boutique, j'avais fait quelques formations, donc cela m'a facilité aussi la tâche. Ce n'était pas évident mais je croyais en mon rêve. » Nadiya Rauscher propose des pièces qui s'adaptent à toutes les morphologies, genres et styles de vie. La personnalisation est un pilier de sa démarche : « Je prône la mode inclusive parce que je n'ai pas envie de me mettre dans une case, je n'ai pas envie d'avoir du style. Mon style, c'est de ne pas en avoir parce que j'ai envie de donner la possibilité à toutes les femmes, peu importe leur morphologie, leur style, leur genre, d'affirmer leur personnalité. » La passion qui l'anime se traduit dans chaque pièce que Nadiya Raucher conçoit. S'y mêlent émotion, savoir-faire traditionnel et une touche personnelle qui reflète sa vision artistique. La créatrice de mode suit son intuition dans le choix du tissu : « De loin, on peut voir le textile. Il y a les motifs, les couleurs, mais ça ne suffit pas, parce que c'est au toucher que l'idée peut naître. C'est le toucher qui définit. Ensuite, si on prend ce tissu, on sait ce qu'on va faire avec. Quand je vais dans un magasin de tissus, j'ai l'impression d'être comme un enfant qui arrive à Disney. Je ne sais pas où donner de la tête, je prends ce que je peux prendre. Et il y a aussi un tissu que j'ai envie d'utiliser, mais je n'ai pas encore commencé, parce que dans mon village natal, on a un tissu traditionnel qui y est fabriqué. Le coton est cultivé, filé et tissé dans mon village. Le tissu s'appelle tem. C'est un tissu qui est porté pendant les grandes cérémonies et j'ai envie de travailler avec, de l'associer avec la toile denim pour essayer d'apporter une touche d'originalité à ce tissu traditionnel et à la toile denim aussi. Je me dis que c'est dommage de sacrifier ces tissus traditionnels parce qu'ils ne sont vus que pendant de grandes cérémonies. » La conception d'une collection passe par plusieurs étapes : esquisses, choix des matériaux, travail sur la coupe, et réalisation. Nadiya Raucher aime expérimenter avec les textures, les couleurs, et les formes pour créer des collections originales. Mais elle aimerait aussi valoriser un peu plus les tissus traditionnels africains dans ses créations : « Nous, créateurs africains ou d'origine africaine, nous ne mettons pas assez en valeur notre tissu traditionnel. On peut faire mieux. Il y en a certains qui le font et on peut tous faire mieux. C'est un peu compliqué parce qu'il y a aussi l'influence de la mode internationale, alors qu'en Afrique, on a tellement eu de tissus traditionnels qu'on peut mixer entre les tissus traditionnels occidentaux et nos tissus traditionnels. La mode, on en fait ce qu'on veut. Les tissus, quand on les a, il n'y a pas de limites. On peut se permettre d'associer tout ce qu'on veut et faire des propositions. Souvent, quand on lance une tendance, tout le monde est là-dessus : ''Ah oui, c'est la tendance cette année, telle coupe, telle matière, telle couleur...'' Oui, c'est parce qu'il y a certaines personnes qui ont décidé de lancer cette tendance. Mais malheureusement en Afrique, on n'a pas de tendances. Je ne sais pas si on n'a pas d'idées ou si on n'ose pas. La tendance vient toujours de l'Occident, alors qu'en Afrique, il y a de quoi faire. Nous avons la matière première. » Nadiya Raucher rêve de revenir au Togo pour partager son savoir-faire, valoriser les tissus traditionnels, et encourager la nouvelle génération de créateurs africains à oser, à innover, et à faire rayonner leur culture : « La mode n'a pas de frontières, mais en Afrique, nous avons de quoi faire. En tant que créateurs d'origine africaine, c'est vrai que je ne vis plus à Lomé ni à Libreville. Je suis maintenant en France. Mais je suis ravie de revenir et de participer aux FIMO228. C'est aussi une manière d'apporter le savoir-faire que j'ai et de transmettre à la nouvelle génération. Il y a quelques jours, j'étais dans un centre des métiers d'art et d'artisanat. J'avais vu la responsable de cette école, j'ai proposé mes services pour faire une demi-journée d'atelier sur le cours de moulage. Je fais partie des personnes inspirantes parce que nous, nous sommes des exemples. J'ai donc été ravie. Les étudiants aussi, ils étaient captivés. J'ai travaillé à peu près 6 heures avec eux et cela a été un grand moment d'émotion pour moi, parce que je trouve que la nouvelle génération de créateurs togolais est douée et ce sont des passionnés. Mon objectif final, c'est de revenir à Lomé et de transmettre. C'est mon rêve. » À lire aussiTogo: au FIMO228, la haute couture africaine dans tous ses éclats   Abonnez-vous à 100% création  100% création est disponible à l'écoute sur toutes les plateformes de podcasts : PURE RADIO, Apple Podcast , Castbox,  Deezer , Google Podcast,  Podcast Addict,  Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS. Si vous aimez ce podcast, donnez-lui 5 étoiles et postez un commentaire sur ces applications pour qu'il soit visible et donc encore plus écouté. Retrouvez-nous aussi sur nos réseaux sociaux : Instagram 100% Création , Facebook 100% Création-RFI

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• Yann Lagoutte, la passion du geste au service du patrimoine breton

  Yann Lagoutte, maître brodeur, directeur de l’école de broderie d’art de Quimper, passionné par la transmission d’un savoir-faire ancestral et la création, est un artisan d’exception. Formé initialement en bijouterie, il a évolué vers la broderie d’art, obtenant le titre prestigieux de meilleur ouvrier de France en 2011. Son engagement dans la passation de savoir-faire, à travers la création, la formation et la direction d’école, témoigne de sa passion pour la préservation et la valorisation des techniques artisanales bretonnes. Il représente le renouveau de l'école de broderie d'art de Quimper, alliant tradition, innovation et ouverture sur le monde. « En broderie, on fait des gestes qui sont répétés, qui doivent être précis. On se met dans sa bulle. », explique Yann Lagoutte, artiste, enseignant et directeur de l'école de broderie d'art de Quimper. On va venir se concentrer sur deux centimètres carrés et on va venir faire des mouvements qui vont être précis, qui vont nous permettre d'être dans un autre monde. On peut y passer des heures et des heures sans se rendre compte du temps qui passe. Yann Lagoutte est né en région Rhône Alpes, dans le sud-est de la France, mais il a toujours eu un lien très fort avec sa culture bretonne grâce à sa mère. C’est avec elle qu’il commence à broder à l’âge de 16 ans. « Dans un premier temps, c'était pour essayer de refaire la reproduction de costumes traditionnels. Et dans cette optique-là, lors de mes études, j'ai voulu faire un stage au sein de l'école de broderie. Je suivais à l'époque des études en bijouterie joaillerie, qui est aussi un métier artisanal et artistique, c'est comme cela que j'ai rencontré l'entreprise. Un stage d'un mois ici, cela a été vraiment une révélation, au niveau du savoir-faire, au niveau du geste. J'ai continué à broder pour mon plaisir, suite au stage. J'ai fini mes études. J'ai commencé à être bijoutier-joaillier en entreprise. En 2003, Monsieur Jaouen, qui a créé l'entreprise en 1995, m'a contacté pour me proposer un poste. C'était un peu particulier parce que je venais juste de commencer ma vie professionnelle. J'ai pris un virage à 90 degrés en acceptant le poste, rapidement. En 2003, je me retrouve au sein de l'entreprise École de broderie, où je fais une formation de moins d'un an pour maîtriser toutes les techniques enseignées au sein de l'école. L’été 2024, je commence mon travail en tant que formateur. » Artisan d’exception reconnu comme meilleur ouvrier de France, en 2011, aujourd’hui, directeur de l’école de broderie d’art, Yann Lagoutte est un passeur de savoir. Son école de broderie forme chaque année plus de deux mille élèves. « Nous choisissons nos propres programmes orientés en fonction aussi d'une mode ou d'une volonté de certains élèves, quand nous avons des retours. Nous avons un panel d'un peu plus de quinze techniques de broderie différentes qu'on peut enseigner, tous les ans. Les formateurs ont une formation en interne pour faire soit de la remise à niveau, soit un apprentissage complet d'une nouvelle technique par exemple, qui va être présentée. Ensuite, on va l'enseigner à ces personnes pour leurs loisirs. » Avec un peu plus d’une dizaine de techniques issues du territoire breton, comme la broderie Glazig ou Bigoudène, l’école fait vivre un patrimoine riche tout en le rendant accessible à un public amoureux de la broderie. « Celle qui nous tient vraiment à cœur, c'est la broderie Glazig. La broderie Glazig qui prend son nom du pays de Quimper. Quand on parle de pays en Bretagne, il faut imaginer que c'est plutôt une communauté de communes. Le pays de Quimper comprend 28 communes où la mode traditionnelle vestimentaire était la même dans ces 28 communes et sur ces costumes traditionnels, il y avait une broderie spécifique qui a pris le nom du territoire Glazig. Elle nous tient à cœur parce que c'est une broderie très colorée, réalisée avec un fil luxueux, un fil de soie. Le relief est donné à la broderie, mais sans faire un travail de rembourrage ou de bourrage dessous. Dans le sud Finistère, on va venir broder plusieurs épaisseurs de tissu en même temps pour donner le relief, ce sont les spécificités de cette broderie-là. Elle nous a tenu à cœur parce que c'est la broderie de l'entreprise. » « Il va y en avoir d'autres. La broderie Bigoudène la plus connue des personnes s'intéresse à cette culture bretonne. C'est une broderie imposante sur les costumes traditionnels femmes et hommes, et qui est très voyante puisqu'elle est sur les dernières modes, soit orangé, soit jaune. Il y a des broderies beaucoup plus discrètes, comme la broderie Léonarde de la région du nord de Brest. Vous avez dans le Morbihan des techniques de broderie sur velours, incluant le piétement. Et puis quand on va se concentrer sur le travail de broderie qui se fait sur les coiffes, là, on va avoir des broderies sur tulle, la broderie Richelieu à la mode bretonne ou de la broderie blanche. » Maintenir en vie la broderie bretonne, c'est aussi pouvoir réinterpréter les motifs traditionnels selon Yann Lagoutte. « Pour faire rêver les gens, leur donner l'idée ou l'envie de vouloir refaire un peu la même chose, pour être fiers de manipuler et de créer de ses mains. Il était important pour nous de l'extraire de cette forme traditionnelle. On a un fond très riche et ce que l'on fait, c'est piocher dans ce fond-là. On prend, par exemple, une forme d'un costume traditionnel qui nous interpelle, on prend le motif de la broderie, la technique, puis les matières et que l'on extrait de cette forme traditionnelle tout en gardant le style. On la retravaille un peu dans les mêmes motifs, peut-être dans les mêmes matières, mais avec un style plus contemporain. Et dans un premier temps, ce qu'on a fait, c'est qu'on l'a représenté sur des tenues que l'on peut définir " haute couture ", bien que ce ne soit pas de la haute couture, mais en tout cas un vêtement unique brodé à la main et qui n'a plus a priori de rapport avec la forme traditionnelle. Puis quand on va s'approcher, on va retrouver des éléments qui peuvent être multiples ou qui ne peuvent être que petits éléments et donner l'idée à la personne qui voit ces pièces-là que c'est quelque chose d'aujourd'hui, qu'on n'est pas sûr du "ringard" ou du "vieillot". Les gens vont savoir que c'est une culture vivante, qu'elle est actuelle et qu'on peut se l'approprier. » La broderie, pour Yann Lagoutte, n’est pas seulement un art, c’est une façon de transmettre une identité et surtout une passion. Un attachement qu’il souhaite partager encore longtemps, pour que le fil de ce savoir-faire ancestral ne se brise pas. « Cette culture, elle peut mourir à tout moment. Je vais prendre l'exemple du point de Beauvais. Le point de Beauvais. En professionnel, on est six à le maîtriser encore aujourd'hui, dont deux à l'école. Donc, c'est vraiment impératif qu'on continue à l'enseigner autrement. Ce point de Beauvais, il peut se perdre, il peut être enseigné d'une façon aléatoire et ce n'est pas forcément ce que l'on souhaite. C'est vraiment quelque chose qui me tient à cœur. La deuxième chose qui me tient à cœur, c'est de continuer à créer de ses mains. Aujourd'hui, on se rend compte qu'il y a plein de choses qui vont peut-être nous aider dans un futur avec, avec l'IA, avec les impressions 3D, avec les découpes laser. Ce sont des choses qui sont beaucoup plus mécanisées. J'aime continuer à faire du travail à la main. Pour moi, c'est important quand on est concentré sur un élément. Quand on est concentré sur une broderie, on va passer beaucoup de temps sur une petite surface et ça, ça me fait énormément de bien. Ça me fait du bien dans ma tête. » Yann Lagoutte et son école participe à des collaborations internationales avec des brodeuses ou d’autres artisans pour montrer que le savoir-faire breton peut s’inscrire dans une démarche globale, contemporaine et inventive. « Celle qui m'a beaucoup touché, ça a été une collaboration avec des brodeuses, mais des brodeuses du Canada, une ethnie qui s'appelle les Métis, une ethnie, on va dire, de commerçants. C'étaient des Métisses entre les autochtones et les Européens. Ils avaient une technique de broderie un peu spécifique, où ils récupéraient des pics de porc-épic pour pouvoir faire une broderie qui s'apparente à du perlage. Et on a fait une collaboration avec ces brodeuses canadiennes. Ça, c'est assez touchant parce qu'il y a toute une histoire aussi de leur côté. On se retrouve avec deux histoires qui peuvent être un peu similaires par certains points. On avait beaucoup de choses en commun avec des personnes extraordinaires. Et là, on a un projet mis en place pour cette fin d'année et l'année prochaine, parce que l'entreprise a 30 ans cette année et il faut marquer un peu cet anniversaire-là avec Sophie Ambroise qui est Quimpéroise. Sophie fait de l'impression sur papier, en sérigraphie et donc on va proposer des projets en commun et on va proposer l'été prochain un stage. C'est-à-dire que les stagiaires qui souhaiteraient venir vont faire sur une première partie de semaine la sérigraphie. Elles vont faire de A à Z le motif, l'impression sur tissu et ensuite la deuxième partie de semaine, on va nous leur apprendre à rebroder cette sérigraphie. » Abonnez-vous à 100% création 100% création est disponible à l’écoute sur toutes les plateformes de podcasts : PURE RADIO, Apple Podcast Castbox Deezer Google Podcast Podcast Addict Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS.   Si vous aimez ce podcast, donnez-lui 5 étoiles et postez un commentaire sur ces applications pour qu'il soit visible et donc encore plus écouté  Retrouvez-nous aussi sur nos réseaux sociaux : Instagram 100% Création Facebook 100% Création-RFI

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• Mida Style: l’amour de la mode et de la réconciliation de Boubacar AG Midaye

  Aujourd’hui la mode, la mode et encore la mode avec Boubacar AG Midaye, styliste designer malien et fondateur de Mida Style. Ce jeune créateur n’a jamais renoncé à sa passion : la mode. Il propose des collections unisexe, d’inspiration Touareg, un design du nord du Mali sur des tissus du sud du pays afin de promouvoir la paix et d’unifier son pays. Cet autodidacte est porté par l’amour, l’originalité et la joie qu’il infuse dans ses collections. Rediffusion de la chronique du 29 janvier 2023 Abonnez-vous à 100% création  100% création est disponible à l’écoute sur toutes les plateformes de podcasts : Pure Radio, Apple Podcast, Castbox, Deezer, Google Podcast, Podcast Addict, Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS.   Si vous aimez ce podcast, donnez-lui 5 étoiles et postez un commentaire sur ces applications pour qu'il soit visible et donc encore plus écouté. Retrouvez-nous aussi sur nos réseaux sociaux : Instagram / Facebook

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• Amandine Clerc Marie, le parfum des émotions, entre science et créativité

  Aujourd’hui, 100% création est dédiée à l'univers mystérieux et fascinant de la parfumerie avec Amandine Clerc Marie. Pour cette parfumeuse, le métier est un subtil mélange de science, d'art, d'émotion et de transmission. Une passion qui ne s'épuise jamais, une quête constante de nouveautés, de sensations. Une manière de vivre, une façon d'apporter du bien-être aussi selon Amandine Clerc Marie. Nous l'avons rencontrée lors de la Paris Design Week, dans la cour de l'hôtel de Sully, où elle a participé à la signature olfactive de l'installation « Folie olfactive », pensée pour influencer positivement les émotions. Une parenthèse bien-être parfumée à Paris pour Amandine Clerc Marie : « La création, c'est toute ma vie, parce que je crée des parfums, mais cela ne s'arrête pas là. C'est un état d'esprit, une manière de vivre. Cela ne s'arrête jamais. Je suis tout le temps en train de créer, que ce soit des parfums ou des ambiances chez moi, je ne peux pas m'en empêcher. Cela bouillonne à l'intérieur et cela ne s'arrête jamais. » Parfumeuse principale chez DSM Firmenich, elle confie : « Parfumeur, avant tout, c'est traduire des histoires, des émotions en parfums. C'est se servir des matières premières qui sont à la disposition dans la palette du parfumeur pour provoquer des émotions et raconter des histoires olfactives. » Née à Colombes, en région parisienne, Amandine Clerc Marie, après un baccalauréat scientifique, commence des études en médecine. Mais rapidement, son cœur la pousse vers un autre univers : celui du parfum. « C'est un domaine que je connaissais parce que ma maman travaillait chez Givaudan, une autre société de parfumerie. Elle n'était pas du tout parfumeuse, mais j'ai pu aller visiter les locaux et découvrir les labos de parfumerie. Là, j'ai compris qu'on pouvait créer des odeurs, les garder avec soi et les enfermer dans des petites bouteilles. J'ai trouvé cela magique. Depuis toute petite, je faisais des mixtures dans mon jardin, je mélange des pétales de fleurs, des épices, de la terre... Bref, j'ai toujours fait des mélanges et je me suis dit : "mais c'est un métier ". Cela a été une révélation », affirme-t-elle. Pour Amandine Clerc Marie, la parfumerie est un art qui repose d'un côté sur la connaissance scientifique, avec la compréhension de la chimie des molécules, les techniques d'extraction, la stabilité des compositions, et de l'autre, la créativité, essentielle pour imaginer des fragrances uniques, évoquer des émotions et raconter des histoires. Amandine Clerc Marie maîtrise donc, avant tout, ses matières premières. « J'utilise des huiles essentielles comme la lavande, le patchouli, la rose, mais je suis obligée de travailler également avec des molécules. Les molécules, c'est ce qui va faire que le parfum dure dans le temps, la puissance, la modernité, le confort, tout le côté moderne. L'un ne marche sans l'autre. La recherche avance. Maintenant, nous avons accès à une nouvelle technologie chez DSM Firmenich qui s'appelle le Firgood. Cela nous permet d'extraire des matières premières naturelles comme la lavande ou la rose, comme avant, mais avec les méthodes traditionnelles d'extraction, on ne pouvait pas extraire les matériaux qui contenaient beaucoup d'eau, comme les fruits. Grâce à la technologie du Firgood, on arrive maintenant à avoir une essence de poire, de fraise et on peut même traiter les matières premières classiques de la parfumerie d'une manière différente, comme la vanille. Maintenant, nous avons une vanille Firgood qui nous amène des nouvelles facettes à la vanille. Cela nous permet aussi de faire parler les fleurs qui étaient dites ''muettes en parfum'', comme le muguet », explique-t-elle. Pour la création d'une senteur, Amandine Clerc Marie pense, avant tout, à la formule : « Je n'ai pas forcément dans mon esprit la personne qui va porter le parfum. Ce serait trop réducteur. Je pense au parfum, à ses qualités techniques, aux volumes, au plaisir, à la puissance. Je suis, donc, vraiment axée sur mon parfum. Après, il trouve son public ou pas. Je pense vraiment le parfum d'une manière indépendante des personnes qui vont le porter. Je suis axée sur le côté technique, innovation, création, volume, diffusion et d'essayer de trouver toujours de nouvelles choses à dire, essayer de trouver de nouvelles associations. J'essaie, à chaque fois que je commence un projet ou un parfum, d'avoir une association inédite ou d'avoir un propos très fort, un accord très fort, olfactif. Ensuite, je travaille autour de l'esthétique, la diffusion. Mais je suis très centrée sur mon parfum. » Amandine Clerc Marie commence souvent par des directives précises, pour définir l'univers, l'émotion ou le message à transmettre. La collaboration en équipe est essentielle pour affiner la composition, tester sa stabilité et l'ajuster, jusqu'à sa perfection. Le processus peut durer plusieurs mois, voire des années : « Il n'y a pas de règle. Cela peut commencer par un brief très classique, un brief marketing. On nous donne des images, ou cela peut aussi être uniquement travailler sur des associations inédites de matières premières jamais senties. Cela peut aussi être une rencontre, par exemple pour la marque Sisley. Madame d'Ornano m'avait fait envoyer un bouquet des roses de son jardin, et c'était le point de départ du projet. Il fallait recréer l'odeur de ces roses. C'est très varié. À partir du moment où je respecte les contraintes, parce qu'il y a des contraintes techniques, évidemment de couleur, de stabilité. Mais surtout des contraintes de conformité parce qu'on s'assure toujours que le parfum ne soit pas dangereux, évidemment. C'est mon cadre technique et à l'intérieur, j'ai une totale liberté. C'est au minimum deux ans pour créer un parfum. Le parfumeur, pendant ces deux ans, n'est pas seul. Il travaille en équipe. Nous sommes accompagnés d'évaluatrices, de commerciaux. Cela passe très vite, cela peut même être plus long quelques fois. Pour les parfums de niche, normalement, cela va plus vite. Mais pour les parfums où on nous demande des tests consommateurs, c'est au minimum deux ans. » Quand Amandine Clerc Marie cherche à créer des compositions qui racontent une histoire, qui évoquent une atmosphère ou qui suscitent une émotion précise, elle doit, malgré la constitution de la formule, vérifier olfactivement le résultat. « C'est un métier de transmission, donc on apprend avec des maîtres parfumeurs et après, c'est selon ses goûts. On choisit ses matières premières préférées, mais il faut toujours essayer, parce que c'est très difficile de prévoir le résultat que vont donner les matières premières entre elles. C'est un métier empirique : on essaye, on fait peser la formule, après, on la sent. On ne peut pas se couper de ce côté empirique de la réalité. Quand on est parfumeur et qu'on commence à avoir de l'expérience, dans notre tête, évidemment, on imagine l'odeur de la formule qu'on est en train d'écrire, on le visualise dans notre tête. On essaie aussi de visualiser les volumes. Il y a plein de choses qui rentrent en jeu, mais on est obligé de vérifier olfactivement, de tremper la mouillette et de sentir, parce qu'il y a beaucoup de composés qui entrent en jeu dans la formule. Même si on essaye, tous, de faire des formules assez courtes, justement pour maîtriser les effets des matières premières, on ne peut jamais être sûr à 100% du résultat, même si avec l'expérience, on a de moins en moins de surprises. Mais c'est quelque chose qu'on est obligé de faire. » La richesse du métier de parfumeur réside dans sa diversité. Pour Amandine Clerc Marie, il est important de se démarquer tout en restant cohérente avec l'identité de la marque ou du projet, à l'instar de l'installation de la Paris Design Week intitulée « Folie olfactive ».  « Pour créer ces parfums avec émotion, c'est un système, un outil informatique qui nous permet d'équilibrer notre formule, donc d'équilibrer les matières premières de manière à générer des émotions. Là, on est sur les émotions comme la sérénité et l'apaisement, ce sont vraiment des émotions positives. Et les neuroscientifiques ont constaté que selon l'équilibre qu'on mettait dans la formule, donc les dosages de matières premières entre elles, on arrivait à créer des émotions qui sont prouvées et qui sont analysées scientifiquement. L'idée, c'était de travailler l'équilibre de la formule, en plus des vertus très connues de certaines huiles essentielles. J'ai travaillé, dans ma formule, l'équilibre de mon parfum, les dosages de mes matières premières de manière à générer encore plus d'émotions de sérénité et de bien-être. » Dans le métier de parfumeur, la maîtrise des techniques, la connaissance des matières premières, et la sensibilité olfactive se transmettent dans un processus de mentorat. Amandine Clerc Marie s'inscrit pleinement dans cette passation de connaissances et savoir-faire. « La transmission, pour moi, c'est essentiel parce que j'ai eu la chance d'avoir été formée par un maître parfumeur. Je considère qu'il est très important pour moi aussi de former les générations futures. C'est un métier, qui était à l'origine basé sur la transmission de père en fils, il s'est ouvert avec les écoles et donc c'est aussi à nous de garder ce côté transmission. On apprend les bases à l'école, mais après, il faut bien une dizaine d'années, après l'école, pour devenir parfumeur. Être accompagné, pour moi, c'est essentiel. Pour l'instant, j'ai eu une apprentie, nous sommes plusieurs à prendre des apprentis, on tourne comme cela, ils n'ont pas le même regard et le même apprentissage. C'est quelque chose qui se répète dans le temps. Je vais continuer » conclut-elle.   Abonnez-vous à « 100% création »  « 100 % création » est disponible à l'écoute sur toutes les plateformes de podcasts : PURE RADIO, Apple Podcast Castbox Deezer Google Podcast Podcast Addict Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS.   Si vous aimez ce podcast, donnez-lui 5 étoiles et postez un commentaire sur ces applications pour qu'il soit visible et donc encore plus écouté. Retrouvez-nous aussi sur nos réseaux sociaux : Instagram 100% Création Facebook 100% Création-RFI

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