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Nilau, la maison de maroquinerie fondée par Marie Veyron, transforme un matériau rare et méconnu, le cuir d’autruche français, en pièces de haute maroquinerie, traçables et écoresponsables. Née dans une ferme où on élève des autruches, Marie Veyron avec Nilau raconte une histoire de traçabilité, de savoir-faire artisanal et d’engagement écologique. Sacs, petite maroquinerie ou bijoux, avec Nilau, l’artisanat d’exception se met au service de l’innovation responsable.
« J’avais vraiment en tête de créer tout un univers autour de la matière qu’on pouvait revaloriser de notre ferme », explique Marie Veyron.
Le projet Nilau s’enracine dans une histoire familiale. Dans cette ferme « pas comme les autres », l’élevage d’autruches, autorisé en France seulement depuis les années 1990, devient le point de départ d’une filière encore confidentielle. « On est une trentaine d’éleveurs en France, avec une capacité d’environ 80 à 100 peaux par an chacun. Ça reste un marché très restreint, mais aujourd’hui il n’est pas totalement utilisé, donc autant valoriser au maximum cette matière », souligne-t-elle.
Pour Marie Veyron, la création n’est pas un simple geste technique, mais un véritable temps de ressourcement : « C’est vraiment un temps off pour moi. Je prends un carnet, je me dis : je vais créer. Ça fait une bulle dans toute l’activité de l’entreprise, je me recentre et je remets à plat tout ce qui se passe. »
Nilau, un nom léger pour un cuir précieux
Derrière le nom Nilau se cache un clin d’œil poétique à ses matières de prédilection. « C’est un jeu de mots avec le mot "lin" à l’envers et le début d'"autruche". L’idée était d’associer le lin à l’autruche pour rendre ce cuir léger et portable au quotidien. Le nom devait lui aussi être léger. Nilau sonnait printanier. C’est léger, simple et pur. »
La créatrice s’est formée au plus près des ateliers : fabricants, fournisseurs, sous-traitants de grandes maisons. Pendant ses études, une expérience de huit mois en bureau d’études lui permet de suivre toutes les étapes, « du dessin au produit fini ». « Le premier sac qu’on a sorti, l’atelier m’a dit : "C’est fou, c’est le même que sur votre dessin !” En réalité, j’étais arrivée avec une maquette déjà faite en papier de tapisserie, un papier qui se tient et permet de voir le modèle en 3D. »
Un cuir rare, durable et terriblement tactile
Souple, résistant et immédiatement reconnaissable, le cuir d’autruche est au cœur de la démarche de Nilau, aux côtés du lin et de peaux de saumon issues de déchets de l’industrie alimentaire.
« C’est un cuir qu’on reconnaît directement grâce à ses picots, ces petits reliefs qui marquent l’emplacement des plumes. Il y a un côté très esthétique et très sensible : on le ressent au toucher. »
Cette matière rare exige un travail minutieux, en tannerie comme en atelier, pour conserver les fameux picots. Elle se prête à de nombreux usages : maroquinerie, chaussures, décoration, et se distingue par son vieillissement. « C’est un cuir qui se patine beaucoup avec le temps, il ne viendra pas se craqueler ».
Marie Veyron joue aussi avec les différentes parties de la peau : la couronne de picots sur le dos, les zones plus lisses sur les côtés. Chaque design naît d’un dialogue entre la matière, la demande et l’usage final.
Une filière écoresponsable et un écosystème créatif
Au-delà de la création de sa propre marque, Marie Veyron a imaginé un véritable écosystème autour du cuir d’autruche français : collections Nilau, pièces sur mesure pour particuliers, collaborations avec d’autres marques, projets de décoration et d’architecture. « Si un architecte veut inclure du cuir d’autruche dans son projet, on discute ensemble de la finalité du produit, puis je travaille avec des artisans capables de l’incruster sur le meuble. C’est tout un écosystème autour de cette filière ».
L’engagement écologique guide chaque choix : matières issues de co-produits, optimisation des peaux, circuits courts. « Le but, c’est d’utiliser toute la peau, de ne pas laisser de chutes et d’éco-concevoir le produit. L’artisan doit être dans le même état d’esprit : optimiser la matière, bien placer les pièces, réutiliser ce qui reste ».
Nilau est autant une aventure humaine qu’un projet créatif. « Peut-être que, en tant que créatrice, j’avais besoin de dire : c’est ma ligne. Ma marque permet aussi de montrer tout ce qu’il est possible de faire avec le cuir d’autruche ».
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Le Zaady Fashion Day, organisé par le créateur ivoirien Guy Fabrice Mahi, dit Fabrice Zaady, se tient à Abidjan samedi 30 mai 2026. Cette journée dédiée à la créativité de la mode africaine rassemble de jeunes talents venus de tout le continent. Installé à Paris, Fabrice Zaady met sa notoriété au service de cet événement qu’il décrit comme « une journée d'inspiration, de partage et de fierté culturelle ». Nous l'avons rencontré dans son atelier parisien, avant son départ pour la Côte d'Ivoire.
Pour Fabrice Zaady, la mode est intimement liée à la culture et à l'histoire de son pays. « La mode pour nous a commencé avec les rois. Les rois, ce sont des gens qui étaient majestueux, beaux », raconte-t-il. En Côte d'Ivoire, chaque grande étape de la vie, mariage, naissance, est une occasion de s'habiller avec soin : « On est tout le temps bien habillé, dans notre culture, la mode a vraiment sa place ».
Son propre prénom de créateur est un héritage familial. « Zaady, c'est d'abord mon nom d'enfance. C'est mon nom du village, Zaady, qui signifie ''victoire'' », explique-t-il. Ce nom, transmis par l'oncle de sa mère, s'impose naturellement comme celui de sa marque. Dès l'enfance, il baigne dans les ateliers de couture tenus par sa mère et sa grand-mère : « Pour me punir le week-end, je devais aller surveiller les artisans. Ils me disaient : ''viens faire ça, faut faire les épaulettes, faire le fond.'' Donc j'ai commencé à toucher tout doucement. »
Il se souvient aussi de ses premiers gestes de styliste sur sa grand-mère : « Toutes les mamans avaient un foulard. Ma grand-mère, je lui en mettais deux, donc il y avait un en dessous, l'autre au-dessus. » Une audace qui impressionne déjà l'entourage et fait naître sa passion pour la mode.
L'Afrique comme base, Paris comme tremplin
Cet héritage affectif et esthétique reste son socle. « C'est ma base aujourd'hui parce que c'est un environnement où j'étais vraiment chouchouté, j'étais aimé », confie-t-il avec émotion. Si ses vêtements parlent à un public international, il revendique une source d'inspiration profondément africaine : « Je puise vraiment essentiellement mon inspiration de l'Afrique. Par exemple, cette robe avec des manches bouffantes, ce sont essentiellement des femmes africaines qui adorent avoir des manches bouffantes. »
Autodidacte, il ne suit pas de cursus traditionnel en école de mode. Il apprend la couture, le design et le stylisme grâce aux ressources numériques. Sa rigueur finit par payer : son atelier obtient le label « Fabriqué à Paris ». « C'est important, dans le sens où ça amène une valeur ajoutée à ce que je fais, souligne-t-il. Ce label atteste d'une mode » référencée et surveillée, dans un contexte où « il y a beaucoup de contrefaçons. Les équipes du label sont venues sur place, ont observé le travail, une reconnaissance qui lui montre qu'il y a un chemin encore à parcourir. »
Une collection révélatrice et des artistes de premier plan
Un moment décisif de sa carrière reste la collection créée avec sa mère, disparue en 2017. En 2018, il est invité à défiler en Italie : « La collection que j'ai faite avec elle, ça reste la collection qui m'a révélé. » Parti seul avec cinq valises de tenues et d'accessoires, oublié des heures à la gare par l'organisateur, il vit un défilé sous tension. Il ignore même qu'il s'agit d'un concours. Jusqu'au moment où tout bascule : « ​​​​​​​On me dit que tu as gagné quelque chose. Fébrile comme je suis, je me suis mis à pleurer. » La collection rafle trois prix, dont celui de designer international. Une victoire qu'il vit comme un hommage à sa mère, alors qu'il avait songé à tout arrêter.
Aujourd'hui, ses coupes modernes et ses lignes structurées séduisent bien au-delà des frontières françaises. Ses créations habillent notamment Anne Sila, Black M ou Fally Ipupa. Les collaborations passent d'abord par les stylistes : « C'est lui, après plusieurs essais, qui dit à son artiste : ''Je veux que tu viennes parce que la personne est de confiance." » L'invitation de Fally Ipupa, qu'il admire de longue date, reste marquante : « ​​​​​​​Un jour, je reçois un message sur Instagram : ''J'aime vos vêtements, j'aimerais venir voir comment on pourrait collaborer.'' »
Le Zaady Fashion Day : un concours pour toute l'Afrique
Avec le Zaady Fashion Day, Fabrice Zaady veut à son tour soutenir les jeunes créateurs africains. Il part d'un constat simple : « Certains jeunes créateurs me sollicitent pour acheter des tissus, des machines, des matières premières parce qu'ils veulent participer à des concours. Je recevais beaucoup de demandes. » Il imagine alors un concours qui permette de les accompagner concrètement.
« ​​​​​​​C'est un concours, tout le monde est lauréat, mais à la fin, il y a une personne qui est dénommée meilleur créateur », explique-t-il. Le gagnant reçoit 3 000 euros pour acheter des matières, louer un atelier ou développer sa communication. L'ambition est panafricaine : « Aujourd'hui, en Afrique, les concours se font par pays ou par langue. Nous, on a voulu regrouper vraiment toute l'Afrique, un peu comme la CAN. »
Au-delà du soutien financier, il défend une vision sans frontières de la création : « Quand on dit ''mode africaine'', pour moi, on met des limites, on met des barrières à la mode. La mode, c'est la mode. Pour moi, il y a des créateurs africains, mais il y a une mode universelle. » Une mode où l'Afrique, portée par des voix comme la sienne, entend bien prendre toute sa place.
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Claire Briant, artiste céramiste, entretient une profonde connexion avec la nature, la matière et l’émotion. La terre est son langage, sa façon d’être au monde. Pratiquant la cuisson au feu de bois pour sa dimension vivante et collective, elle crée des pièces uniques, reflets d’un voyage intérieur et d’un dialogue avec le monde, chaque cuisson marquant une étape vers une compréhension plus intime d’elle-même et des autres.
 
La création, c’est une voie, ce n’est pas autre chose.
Nantaise d’origine, d’abord conteuse et guide-conférencière, Claire Briant découvre la céramique en 2005 lors d’un séjour aux États-Unis. Cette rencontre est un choc : elle y voit un véritable appel auquel elle ne peut que répondre. « On me demande souvent comment j’ai choisi cette voie, et je réponds toujours que c’était vraiment un appel. Je n’ai pas d’autre choix que d’y répondre ».  Autodidacte, elle ouvre son atelier en 2010 et s’engage dans une pratique intuitive, organique, respectueuse de la matière.
Pour elle, la céramique devient une façon entière de conduire son existence. Du matin au soir, tout ce qu’elle voit se relie à son travail : ce qui l’émerveille comme ce qui la révolte nourrit son inspiration. « C’est une sublimation du quotidien tout le temps. »  L’atelier, lieu d’introspection, l’oblige à se confronter à elle-même pour mieux rejoindre l’universel : « Ce moment où moi, je disparais, pour appartenir à tous. »
Marcher, collecter, révéler la matière
Le geste créatif commence dehors. Claire Briant arpente forêts, rivières et montagnes, sac et petite pelle à la main. Elle collecte des argiles et minéraux invisibles, enfouis sous nos pieds. Pour comprendre cette matière, elle s’est formée à la géologie et à la flore, apprenant à « lire le paysage ». Elle aime l’idée que nous sommes tous des « ​​​​​​​produits de la géographie » et travaille sur cette tension entre nature et culture.
«​​​​​​​ ​​​​​​​Aller chercher dans l’invisible, aller chercher ce qui n’existe pas, c’est ce qui me motive », confie-t-elle. Ses récoltes donnent naissance à des mélanges uniques, non reproductibles, où se rencontrent des terres qui ne se croiseraient jamais dans la nature. Sur le tour, ces argiles lui racontent les lieux d’où elles viennent et la manière dont les humains y vivent. La disparition d’un filon d’argile en Brocéliande, emporté par un orage, lui rappelle que tout reste soumis au mouvement du vivant.
La magie du feu de bois
Au-delà du façonnage, la cuisson est un moment clé de sa démarche. Les cuissons au gaz, trop contrôlées et froides, la laissaient insatisfaite : son corps, pourtant au cœur de tout le processus, n’avait plus sa place. «​​​​​​​ ​​​​​​​C’était extrêmement frustrant que mon corps ne serve à rien, alors que pendant tout le reste du processus, le corps est extrêmement impliqué. » La rencontre avec un potier travaillant au bois est décisive. En découvrant la cuisson au feu de bois, elle sent son corps redevenir vivant, engagé dans la chaleur, l’écoute du feu et de ses besoins : «​​​​​​​ ​​​​​​​Comprendre le feu, comprendre ce dont il a besoin, l’écouter… ça a été une révélation. » 
Elle construit d’abord un four expérimental chez elle, puis, après plusieurs années de cuissons en solitaire, cherche une dimension plus collective. Entre 2017 et 2018, elle rencontre le céramiste Cyril Dennery, avec qui elle bâtit un four à bois. Le binôme, aux parcours opposés mais aux sensibilités convergentes, mène des cuissons à deux, choisissant essences de bois et protocoles en fonction des effets recherchés. «​​​​​​​ ​​​​​​​Il ne s’agit pas de faire du feu, il s’agit de cuire des poteries », insiste-t-elle.
Une philosophie de la vulnérabilité et du vivant
Au-delà de l’objet, la céramique de Claire Briant est une réflexion sur la vulnérabilité et la transformation. La terre fraîche, malléable, accueille empreintes, énergies et émotions. « ​​​​​​​Elle prend toutes les empreintes, elle prend toutes les énergies, elle prend tout. »  Le passage au feu fige ces traces et rend visible un récit intime et collectif. Dans ses pièces, les failles deviennent force, les accidents participent du sens. «​​​​​​​ ​​​​​​​J’essaie d’aller dans les failles, d’aller chercher la vulnérabilité, ce moment où les faiblesses deviennent des forces. » 
Chaque cuisson, chaque pièce est ainsi un moment de résonance : une pause dans le flux du monde, qui offre au regard un fragment d’immobile pour mieux ouvrir des portes vers l’invisible.
À lire aussiGrasse, capitale du parfum: au cœur de la rose centifolia avec Pierre Chiarla
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En mai, Grasse, capitale mondiale du parfum, célèbre la rose centifolia. Cultivée depuis le XVIIIᵉ siècle, cette fleur au velouté unique symbolise le luxe et le savoir-faire, inspirant des maisons comme Chanel et Dior. Menacée de disparition dans les années 1950, elle a été sauvée par des passionnés, dont Pierre Chiarla, préservant ainsi ce patrimoine économique et culturel.
Pierre Chiarla est né et a grandi à Grasse. Représentant une nouvelle génération de producteurs de plantes à parfum, il a d’abord suivi des études d’ingénieur en électronique et mécanique avant de se former à l’aménagement paysager. En 2018, il reprend l’exploitation familiale, alors dédiée au maraîchage, pour y relancer la culture de la rose centifolia, du jasmin et de la tubéreuse, des fleurs que sa grand-mère cueillait déjà dans les années 1940.
Installé sur des terres cultivées par sa famille depuis près d’un siècle, Pierre Chiarla est le gardien d’un savoir-faire empirique et oral, transmis par ses grands-parents. « C’est un mélange de techniques concrètes, comme la taille des rosiers, et de ressenti lié à la météo, explique-t-il. Mes grands-parents savaient, par exemple, qu’un hiver court pouvait avancer la floraison. Aujourd’hui, avec les aléas climatiques, c’est plus difficile à prévoir, mais ces connaissances restent précieuses. »
Une agriculture bio et une passion sans compromis
Sur ses 2,5 hectares, Pierre Chiarla cultive ses fleurs sans aucun traitement chimique, en agriculture biologique. « Dès qu’on commence la récolte, on ne traite plus, même avec des produits autorisés en bio, car on met les mains dans les fleurs », précise-t-il.
Pour lui, cette approche est bien plus qu’une méthode : c’est un engagement. « C’est un métier passion, mais aussi un métier de défis. On ne compte pas ses heures et la météo reste notre plus grand ennemi. Il y a trois ans, un orage de grêle a détruit deux mois de récolte en quinze minutes. On ne peut rien y faire, si ce n’est accepter et continuer. »
Son bureau ? Un champ de 2 000 rosiers en fleurs au mois de mai. « Peu de gens peuvent dire qu’ils travaillent au milieu d’un tel paysage, imprégné de parfums. C’est un privilège, même si c’est exigeant. »
Transmission et innovation : l’avenir des plantes à parfum
Autrefois, les producteurs de Grasse gardaient jalousement leurs techniques. « Les agriculteurs étaient cachottiers, ils ne partageaient rien », raconte Pierre Chiarla. Aujourd’hui, grâce à des associations comme Les Fleurs d’exception, les choses ont changé. « On échange nos méthodes, nos réussites et nos échecs. Si un producteur découvre une technique efficace contre un ravageur, il la partage. Moi-même, j’ai adopté des pratiques inspirées par d’autres, comme le palissage du jasmin. »
Cette collaboration est essentielle pour faire face aux défis modernes, notamment climatiques. « On apprend en observant la nature : certaines plantes sauvages aèrent le sol, d’autres attirent des insectes utiles pour lutter contre les ravageurs. C’est un équilibre fragile, mais passionnant. »
Grasse et ses chemins parfumés
Classée au patrimoine culturel immatériel de l’Unesco, Grasse a un devoir de transmission. Pour cela, la ville a relancé les « chemins parfumés », des visites qui permettent au public de découvrir les champs de roses et de jasmin, comme ceux de Pierre Chiarla.
« Les visiteurs sortent transformés, confie-t-il. L’odeur des fleurs, l’immersion dans les champs… Beaucoup décrivent une expérience presque méditative. Pendant une heure ou deux, ils oublient leurs soucis et se reconnectent à la nature. »
Une façon de partager cette passion tout en perpétuant un héritage unique au monde. Car à Grasse, la rose n’est pas qu’une fleur : c’est une histoire, un art de vivre, et l’âme d’une région.
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Belinda Pollard est une artiste brodeuse dont le travail, à la croisée de la tradition et de l'expérimentation, transforme le fil en un véritable langage. Ses créations, mêlant broderie d'or, soie et matières insolites, évoquent des paysages, des souvenirs et des émotions avec une profondeur poétique. Rencontre avec une artiste qui a fait de la broderie un art à part entière, entre héritage et innovation.
Née à Angers, Belinda Pollard baigne dans l'univers de la création dès son plus jeune âge. À dix ans, elle coud déjà des vêtements, fabrique des décors et suit des cours de dessin et de peinture. Son amour pour l'image la conduit naturellement vers des études d'arts plastiques, suivies d'un master à Bruxelles. Mais c'est à la prestigieuse école de cinéma La Fémis, à Paris, qu'elle se forme ensuite à la production cinématographique.
Pourtant, malgré sa passion pour le cinéma, un art qu'elle qualifie de « très complet », Belinda ressent un manque : « Je sentais que ce n'était pas ma place. Il me manquait quelque chose : mes mains, la matière. »  Après des années dans la production cinématographique, elle décide de faire une pause pour trouver son médium. C'est ainsi qu'en 2016, elle se tourne vers la broderie, un art qu'elle explore d'abord en autodidacte avant d'obtenir un CAP en broderie d'art et de se former aux techniques du crochet de Lunéville et de la broderie d'or.
 
La broderie comme terrain d'expérimentation et de poésie
Belinda Pollard ne se contente pas de reproduire des techniques traditionnelles : elle les réinvente. Son travail se distingue par un mélange audacieux de matières et de textures, où l'or côtoie la soie, le cuir exotique (comme celui de Hermès, avec qui elle collabore depuis trois ans) et des matériaux plus inattendus, comme les vieux draps de sa grand-mère ou l'organza de soie, qu'elle affectionne pour sa transparence.
« Quand j'ai découvert la broderie d'or, ça a été un coup de foudre », confie-t-elle. Cette technique, qui consiste à broder avec des fils métalliques comme la cannetille, demande une précision extrême : « Le métal ne pardonne pas. Si on le déforme, il faut tout recommencer. » Pourtant, une fois maîtrisée, elle devient « magique », permettant de créer des œuvres en relief où la lumière danse sur les fils dorés.
Ses tableaux ou installations en mouvement s'apparentent à des strates de mémoire. « ​​​​​​​Je travaille beaucoup sur les cartes, les trajectoires de vie, les superpositions qui créent des mini-mondes », explique-t-elle. Ses œuvres, souvent abstraites, laissent une large place à l'interprétation : « ​​​​​​​L'idée n'est pas de guider l'émotion, mais de voir ce que cela produit. Et souvent, cela résonne avec des souvenirs ou des paysages personnels chez ceux qui les regardent. »
Un processus créatif, intuitif et organique
Pour Belinda Pollard, la création est un voyage sans carte précise. Son processus repose sur l'intuition, l'expérimentation et une relation presque charnelle avec la matière : « La recherche, parfois, c'est une émulation folle, parfois, c'est un parcours en dents de scie parce que la matière ne veut pas aller dans le sens où on va. »
Elle cite en exemple un paysage brodé qu'elle a mis deux mois à élaborer, cherchant inlassablement le bon reflet d'eau, la bonne superposition d'organza : « Je ne me dis jamais à l'avance : ''je vais travailler sur tel sujet.'' C'est en faisant que les choses adviennent. » Son cahier de dessin est rempli d'idées, de croquis et d'échantillons : « Je dessine, je teste, je rate, je recommence. Parfois, il faut laisser reposer un projet parce que la matière résiste. Mais c'est comme cela que naissent les petites magies. »
Son approche rappelle une gymnastique artistique, où chaque œuvre en appelle une autre, comme si ses créations dialoguaient entre elles à travers le temps : « Quand je regarde mes premières œuvres, je vois des éléments qui réapparaissent aujourd'hui dans des pièces plus abouties. C'est un déploiement constant. »
Transmettre pour perpétuer et innover
Engagée dans la transmission, Belinda Pollard imagine des résidences d'artistes pour partager son savoir-faire tout en s'enrichissant des techniques des autres : « J'ai accueilli une brodeuse d'Aix-en-Provence pendant une semaine. Au final, elle a travaillé sur un de mes projets, mais l'échange était là. C'est ça qui m'intéresse : créer des dispositifs où chacun apprend de l'autre. » Pour elle, la transmission est une façon de perpétuer un héritage tout en le faisant évoluer : « Je réfléchis à accueillir un apprenti, mais il faut qu'il y ait une rencontre, une alchimie. La broderie, c'est un langage, et il faut que ce langage résonne des deux côtés. »
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