100 % création

Alexandre Helwani nous invite à percevoir le parfum comme une passerelle vers l’invisible, vers une mémoire olfactive de l’humanité. Son parcours, sa passion et sa créativité nous rappellent que derrière chaque senteur se cache une histoire, une culture, une mémoire et des recherches. Cet autodidacte devenu historien du parfum est capable de faire revivre des formules du passé. Il souhaite transmettre des sensations, des émotions, et rendre plus accessible l’art du parfum. Je pense que la création, c'est d'être témoin de quelque chose. Ce n’est pas moi qui le dis, c'est Olivier Debré qui disait que créer, c'est être témoin d'un événement et en témoigner par notre art. J'aime cette capacité. C'est essentiel. Je ne pourrais pas vivre autrement. Aujourd'hui, c'est du parfum, mais il y a aussi de la poésie, de la musique. Chaque médium, permet d'accéder à une part de soi-même, à dire quelque chose qu'on ne pourrait pas dire autrement. Alexandre Helwani, créateur de parfum. « Il n'y a pas d'historien du parfum à proprement parler. Il y a des historiens du commerce, de l'alimentation, de la médecine et qui tous, à un moment, vont parler de parfum ou vont sortir des recettes parfumées sans pour autant s'y intéresser », rappelle-t-il. Né à Orléans, Alexandre Helwani a grandi entre la France et Dubaï. Après des études de théâtre, de massage, un passage à la Sorbonne, il a parcouru différents chemins, sans jamais oublier sa passion pour l’olfaction. « J'ai passé mon bac à 16 ans. De 16 à 26 ans, à peu près, j'étais dans l'errance totale. Tous mes amis, ma famille s'inquiétaient pour moi. Ils disaient : "Mais qu'est-ce que tu fais de ta vie ? Tu as fait du théâtre, tu as écrit des pièces, c'est super, tu as arrêté, tu fais des massages, tu arrêtes, tu fais du vin, tu arrêtes, tu fais de l'édition, tu arrêtes. À quel moment tu te poses ?" Et tous ces moments, cette longue attente, s'est cristallisée dans le parfum. J'ai appris à travailler des naturels quand j'avais 13 ans et que j'ai travaillé avec, parce que tous les parfums anciens, forcément tout ce qui est avant le XIXᵉ siècle, c'est 100 % naturel. Cela m'a appris à formuler en naturel et c'est arrivé au bon moment. En 2020, le consommateur et l'industrie se sont dit : "On aimerait bien avoir des parfums 100 % naturels qui sont autre chose qu'un mélange aroma-thérapeutique." Cela s'est fait graduellement. J'ai eu cette première marque, puis la deuxième, puis le projet Odyssée, et le parfum de la Bible, en ce moment. C'est une niche de la niche dans la niche, j'ai envie de dire, que j'ai un peu ouverte malgré moi et que j'occupe aujourd'hui. Je suis très content de l'occuper. Voilà, tout fleurit un peu comme cela », raconte-t-il. L’intérêt pour les matières naturelles d’Alexandre Helwani s’est approfondi lors de ses voyages, notamment au souk de Dubaï, ainsi qu’à travers ses rencontres avec des artisans. Il connaît en détail l’encens, les résines, les huiles essentielles, bref les matières naturelles. « Cela s'est construit depuis ce moment à Dubaï, puisque j'y avais rencontré un parfumeur indien qui faisait des zaatar, des parfums en huile typiquement utilisés en Inde, au Moyen-Orient. Je me souviens, quand j'y allais, et que je m'ennuyais un peu, j'entrais dans sa petite échoppe avec toutes ces matières premières, avec des noms qui étaient pour moi très exotiques : le vétiver, le henné, etc. Je sentais tout, je lui posais des questions sur tout. Il m'a un peu appris sur les matières naturelles, puisqu'il ne travaillait qu'avec du naturel, ce qui est assez rare aujourd'hui de travailler en 100 % naturel. Ma formation, j'ai envie de dire techniques sur les matières a commencé là, puis elle a continué de manière empirique. »  « À chaque fois que je trouvais une recette du XVᵉ siècle, du XIIIᵉ siècle, je la faisais à la maison. Cela a été empirique jusqu'à ce moment où je me suis dit : "Je vais consacrer toute mon énergie à la parfumerie !". J'ai lancé ce site (The Perfume Chronicles ) et puis six mois plus tard, il y a Virginie Roux, qui avait une marque de parfum et une galerie à Paris, qui me contacte. Elle avait aimé mon approche historique et un peu mystique, et elle me dit : "Est-ce que tu aimerais une exposition pendant trois mois autour des parfums orientaux ?" Alors je lui dis : "Il n'y a pas un Orient, il y en a plusieurs, mais allons-y." » Retrouver des recettes anciennes, souvent oubliées ou méconnues, ayant traversé les siècles est une quête pour Alexandre Helwani. Avec patience et rigueur, il explore traités, thèses, livres anciens, manuscrits, archives archéologiques, pour comprendre les formes du parfum. Et en 2020, il donne naissance à sa première création. « Makeda, la reine de Saba, qui était éthiopienne, qui avait apporté tous ses parfums au roi Salomon. Je sais que c'est un bon point de départ pour un parfum. Moi, je n'avais jamais créé pour une marque commerciale, jusque-là, je pensais que c'était une blague totale. Puis deux mois après, il me rappelle et me dit : "Où est ton parfum ? Parce que j'ai reçu les soumissions de tout le monde sauf les tiennes." Je lui ai dit : "Oui, ça arrive, c’est en macération." J'appelle un autre ami pour m’aider à produire le parfum, je ne sais pas comment faire, je sais que je ne peux pas calculer le prix, je sais qu'il y a des contraintes réglementaires, etc. Il me faut un logiciel. Je ne sais absolument pas quoi faire. Il me répond : "Je te donne mon logiciel et on y va." Cela m'a permis de voir ce que c'était le travail de parfumeur, qui n'est pas juste être dans son laboratoire et puis de faire ses petits mélanges et on est content ! La première formule que j'avais faite pour ce parfum coûtait 8 000 € le kilo, ce qui est complètement exorbitant. C'est là où on travaille vraiment sur l'ordinateur, on travaille ses qualités, la réglementation cosmétique pour être sûr que le parfum soit dans les clous. C'est là que j'ai lancé mon premier parfum, en 2020, pour cette marque qui s'appelle Makeda, le parfum 100 % naturel. » En expérimentant en laboratoire ou en atelier, Alexandre Helwani établit des liens concrets entre histoire, culture et olfaction. Il est alors en mesure de recréer des parfums comme le parfum de la Bible ou celui de l’Odyssée. « La plus grande difficulté dans un parfum historique, c'est de s'assurer de la matière. Parce qu'il y a 2 000 ans, le mot cannelle ne voulait pas nécessairement dire cannelle. D'autant plus qu'il y avait aussi chez certains parfumeurs de l'époque une volonté de cacher. On publiait une formule où on vous dit cannelle, alors que ce n'est pas du tout de la cannelle. Quand on parle de la Bible, le mot nard dans la Bible, à l'époque de l’écriture du Nouveau Testament, cela pouvait dire ce qu'on appelle le nard, aujourd'hui nard jatamansi, qui est une racine qu'on trouve dans l'Himalaya, mais cela pouvait aussi être une variété de lavande ou de la citronnelle. Il faut donc comprendre déjà de quelle matière on parle. Et pour faire ça, il faut se remettre dans le contexte d'écriture de l'époque. Après, de manière empirique, on va comparer et voir ce qui fait sens. En refaisant la recette, on comprend que non, ce n'était pas de la cannelle parce que j'ai senti un parfum qui en est très proche puisque les recettes étaient assez similaires et ça ne sentait pas ça, donc c'était autre chose. Il y a vraiment quelque chose d'empirique et d'historique. Il y a tout ce travail de botanique, d'histoire de la botanique et d'histoire de la pratique, tout simplement. » « Mais la bascule, elle s'est vraiment faite, j'ai envie de dire, avec Makeda. C'était pour une marque qui s'appelle Parfumeurs du monde, qui est distribuée partout dans le monde, qui est chez Jovoy, l’une des plus grandes, belles parfumeries de Paris. Puis la deuxième bascule, c'était Tong Ren que j'ai fait pour cette petite maison qui s'appelle Elementals, pour lequel j’ai reçu un Art and Olfaction Award, on va dire un petit César du parfum. Moi, mon approche est toujours restée la même mais les projets sont devenus plus grands. Il y a eu le parfum de l'Odyssée juste après et ça a été mon plus beau projet, en termes de processus avec tout l'équipage. Un équipage de chanteurs, de poètes, d'artistes. Ils sont allés sur les traces du voyage d'Ulysse in situ. Sur chaque lieu de chaque chant pour récolter les graines des plantes qui sont mentionnées dans l'Odyssée. Il y avait une volonté de faire un jardin d'Odyssée et donc ils sont venus me voir. Ils m'ont raconté leur démarche et demandé de faire un parfum avec les 44 plantes de l'Odyssée. J’ai aussi mon travail de sourceur parce que j'ai des contacts un peu partout. Je connais aussi des sourceurs de matières premières, donc j'ai trouvé pour ce parfum un absolu de datte, ce qui n'est pas utilisé en parfumerie et notamment dans le chant pour Polyphème, on parlait de laine, alors ce n'est pas un végétal, mais c'est tout de même une odeur, puisque c'est le moment où Ulysse et son équipage se cachent sous les moutons pour passer sous le Cyclope. Et il se trouve que j'ai un ami qui avait déménagé en Écosse. Il a ouvert une bergerie. Je lui ai dit : "Est-ce que tu peux me faire un absolu de laine ?" Il me dit "Qu'est-ce que c'est ? J'ai répondu : "Je t'envoie de l'alcool, je te dis comment ça se passe et tu m'en fais." Et il m'en a fait. Je l'ai mis dans le parfum et cela a eu un gros retentissement dans la sphère du parfum et la sphère un peu littéraire. Ensuite, le parfum de la Bible avec l'École biblique et archéologique française de Jérusalem. Les projets sont devenus de plus en plus importants parce que je pense qu'il y a un intérêt sur l'histoire du parfum. » Alexandre Helwani peut reconstituer un parfum de l’Antiquité ou du Moyen Âge, permettant ainsi de faire revivre des odeurs disparues, et d’offrir une expérience olfactive à la croisée de l’histoire et de l’artisanat. Mais son approche est sans pareille. « Mine de rien, cela fait dix-sept ans que je me consacre à l'étude, à la recréation de recettes anciennes, huit heures par jour. Je travaillais, puis le soir, vu que j'étais insomniaque, je passais mes nuits à étudier des traités de pharmacopée. J'appelais des profs pour me retraduire des tablettes anciennes pour être sûr de savoir de quelle matière il s’agissait. Dès que j'avais un peu d'argent de poche, ça allait dans le parfum. J'ai consacré, on va dire, quatorze ans de ma vie à ça. Et cette approche historique, c'est un travail de fond, c'est-à-dire que les historiens ne sont pas parfumeurs, les parfumeurs ne sont pas historiens. Il n'y en a aucun des deux qui est botaniste. Il faut quelqu'un qui puisse servir de pont. C'est ça qui me permet de pouvoir lire un texte comme la Bible et de trouver cette formule dans le Cantique des cantiques et de dire : "Je sais que c'est une formule parce que les matières de ce parfum vont trop bien ensemble pour avoir été posées là par hasard. C'est un travail de parfumeur, ça, c'est sûr, mais ça, je peux le dire parce que j'ai lu des formules antiques, parce que j'ai pesé des formules antiques et que je peux dire, oui, en fait, quand il y a de la grenade, je sais que c'est de la grenade qui est cuite, que ça c'est un parfum qui était liquide. Parce que ça me rappelle des formules que j'ai refaites". » « Premièrement parce que j'ai travaillé sur des livres comme l'Odyssée ou autre, ou des recettes un peu symboliques. Il y a plein de traités magiques du Moyen-Âge qui avaient des formules de parfums. Et là, je vois cette formule et je me dis : " Mais ça me rappelle des formules contemporaines de l'écriture de ce texte !" Ça a l'air d'être une formule de parfum. Tout va trop bien ensemble. C'est une formule de parfum. Une formule, c'est des chiffres. C'est un texte hébraïque. Je contacte un rabbin et c'est comme ça que, au bout de trois ans de travail, on découvre qu'il y avait une formule cachée dans le texte. Je la refais et ça sent bon. Je pense que le fait que j'aie un parcours justement éclectique, en plus l'expérience avec les matières naturelles. Et ce temps à manger ces formules, à les mâcher et à les laisser pénétrer par leur matière. Je pense que cette approche-là, elle est unique. » L’industrie du parfum est un secteur hermétique où la transparence et la reconnaissance des créateurs restent limitées, selon Alexandre Helwani. Son savoir empirique lui a permis d’y avoir sa place sans être parfumeur de formation. « C'est une industrie qui est très hermétique, donc y entrer, ça n'a pas été facile. Après, c'est vrai que mon angle, ça n'a jamais été de vouloir être parfumeur ou travailler dans cette industrie. Je me suis juste dit : "Je vais au moins partager ce que j'ai découvert et que je connais sur l'histoire des matières et que je sais être juste et vrai et pas continuer de perpétuer des mensonges, etc." À cette ère du numérique, on a accès à des ressources assez formidables. Il suffit de vouloir et de savoir où chercher. Cela demande beaucoup de persévérance. C'est vrai que quand j'ai commencé ma méthode, c'était dès que je lisais un brief de parfum, ou que j'écoutais un parfumeur parler, ou que je lisais une matière que je ne connaissais pas, j'allais l'acheter. À l'époque, il y avait quelques sites qui revendaient les matières premières en petites quantités. Qui venaient tous de Californie. Ça coûtait des fortunes. Je me souviens de dire à des amis que je ne pouvais pas aller boire des verres avec eux, parce que je venais de commander trois grammes d'iris et que c'était super important. Aujourd'hui, c'est vraiment beaucoup plus facile d'entrer dans cette industrie qui commence tout de même à s'ouvrir. Il y a un besoin de transparence de la part du consommateur. Il y a une mise en avant des parfumeurs, donc ça commence à se démocratiser, à s'ouvrir. » Pour Alexandre Helwani, le parfum est une expression poétique, une manière de témoigner de notre humanité. « Mais mon Dieu, si seulement on pouvait être plus sensibles au Parfum ! Avec un grand P. Et se dire que ce n’est pas juste quelque chose qu'on achète pour sentir bon, ça va bien plus loin. Ça fait plus de 15 000 ans qu'on fait du parfum. 15 000 ans qu'on brûle des choses parce qu'elles sentent bon. 15 000 ans qu'il y a des gens qui se sont dit : "mais cet arbre, on ne va pas le brûler, alors qu'on en a besoin parce qu'il fait froid, mais on va le garder parce que sa sève sent très bon". Et là, il y a un mystère de l'humanité qui se déploie et que je ne peux pas expliquer. Et de voir toutes ces formes anciennes et de voir cette même fascination, cette même recherche que je vis. Parce que cette incapacité à laquelle je suis confronté. Je pense que Tapputi Belet-ekalle qui est la première parfumeuse citée dans l'histoire, elle l'a vécu aussi avant de mettre sa formule sur le papier. Elle aussi s'est dit : "Non ce n’est pas ça, non ce n’est pas ça". On a une expérience qui est pareille et là en le sentant on peut se dire : "Je sais ce que tu ressens, je ne te connais pas, je ne pourrai jamais entendre ta voix, je ne pourrai jamais me concevoir ton visage. Mais là, ce que je sens, ce que mon corps sent, toi aussi, tu l'as ressenti il y a 4 000 ans". Et le parfum, c'est cela. Le parfum, c'est vraiment une manière de se rendre au monde. » Selon Alexandre Helwani, le parfum est une porte vers l’invisible, un langage symbolique capable de transmettre des émotions, des souvenirs ou des messages spirituels, une expérience sensorielle reliant passé et présent. « C'est une autre forme de perception du monde. La beauté du parfum, c'est que ça ouvre une porte d'appréciation du monde qui est assez folle. Quand vous vous baladez, une fois qu'on connaît les molécules, qu'on a appris à les reconnaître, on les sent partout. C'est incroyable d'avoir une immédiateté au monde, de se dire : "Il est minuit et demi, il y a la glycine du voisin qui vient de fleurir. Je ne la vois pas, mais je la sens." Ce que j'essaie de faire, dans le parfum, c'est de le sortir de son flacon. Inventer une nouvelle forme du parfum. La beauté du mot parfum, c'est que le parfum ne désigne pas le contenu parfum per fumum, par la fumée, donc ça désignait ce qui restait après que l'encens a été consumé. Chez les Égyptiens et dans beaucoup de religions antiques, le parfum était un moyen de nous mettre en présence de l'invisible. On faisait ces sacrifices aux idoles, aux dieux. Le prêtre consomme tout et on rentre dans le temple 4,5 ou 6 heures après, on n'a plus rien, on n'a plus ces sacrifices, mais on a encore une odeur. C'est bien qu'il y a quelque chose qu'on ne peut pas voir, toucher, entendre, ressentir. Mais en tout cas, quelque chose est là qui nous dépasse. Et cela, c'est le parfum. C'est un mot qui désigne ce qu'il fait advenir. Quand je prends un flacon de parfum et que je mets du parfum, je me mets en présence ou je mets quelqu'un en présence d'autre chose. »   Abonnez-vous à « 100% création »  «100% création » est disponible à l’écoute sur toutes les plateformes de podcasts : PURE RADIO, Apple Podcast Castbox Deezer Google Podcast Podcast Addict Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS.   Si vous aimez ce podcast, donnez-lui 5 étoiles et postez un commentaire sur ces applications pour qu'il soit visible et donc encore plus écouté  Retrouvez-nous aussi sur nos réseaux sociaux : Instagram 100% Création Facebook 100% Création-RFI

Alia Baré, créatrice de mode nigérienne, incarne une démarche authentique et engagée. Des bijoux aux vêtements, Alia Baré aime concevoir une silhouette jusqu’aux moindres détails. À travers ses collections inspirées de la mythologie, la nature et de ses expériences personnelles, elle tisse un pont entre tradition et modernité, tout en valorisant le savoir-faire artisanal africain. Alia Baré privilégie la production en petites séries et le sur-mesure pour limiter le gaspillage et garantir une fabrication soignée, tout en mettant en avant une mode respectueuse de l’environnement et des personnes. En 2025, elle fête les 10 ans de sa marque éponyme.  « Je suis à fleur de peau, je ressens souvent les choses très fortement. Le fait de pouvoir créer, de pouvoir donner un sens à travers les couleurs, le défilé, la musique, les paroles même de la chanson ont une signification. Au début, de mes premiers défilés, je pleurais comme une madeleine parce qu'il y avait un effet de catharsis où tout sortait et je guérissais aussi. »  Artiste et entrepreneure née au Niger, à Niamey, avec un père diplomate, Alia Baré a grandi entre la France et l’Algérie. Elle a poursuit des études dans une école de commerce à Paris : « J'ai toujours été très timide quand j'étais plus jeune et ce passage dans cette école de commerce m'a permis de m'ouvrir, de m'épanouir, d'être dans un environnement différent en France. J'ai pu affirmer ma personnalité dans la mesure où je suis la deuxième d'une fratrie de cinq enfants et chacun a une forte personnalité. J'avais tendance à me mettre plutôt en retrait par rapport à mes autres frères et sœurs, et là, cela m'a permis de développer mon individualité. Par la suite, je me suis mariée et j'ai suivi mon mari en expatriation, d'abord en Inde, puis à Singapour. »   À lire aussiMida Style : l’amour de la mode et de la réconciliation de Boubacar AG Midaye   Alia Baré débute sa carrière en tant que conseillère, cliente et gestionnaire de patrimoine dans le milieu bancaire. Puis, elle suit son mari en Inde et cette période d'expatriation la transforme. Elle explore la création en bijouterie et en textile.  « J'ai toujours aimé créer, manipuler, faire des dessins, des coloriages, des bricolages et je touchais à tout. J'avais une petite machine à coudre et j’effectuais des travaux à la maison, décoration d'intérieur, sinon, c'était de la peinture... J'ai fait le design de bijoux, pendant deux ans. Cela m'a plu, j'ai passé plusieurs diplômes dont un en gemmologie et j'ai créé ma marque de bijoux sur mesure. Ce sont des bijoux en or, diamants, ou pierres semi-précieuses. J'ai commencé à les vendre quand je venais à Paris ou en Afrique et j’ai rencontré un franc succès. Cet amour des bijoux et des pierres se retrouve souvent dans mes tenues et dans mon choix de couleurs, parce que j'aime les couleurs. J'appelle ça les couleurs "pierres précieuses", comme le vert émeraude, rouge rubis, ou le bleu saphir. Ce sont des couleurs qui sont intemporelles, très élégantes. En cas de doute, avec ces couleurs, vous ne pouvez pas vous tromper. Cela fait partie de mes codes couleurs qui reviennent régulièrement. C'est pour cela que j'aime beaucoup le milieu de la mode, parce qu'on arrive à concilier tous les domaines artistiques et les mettre ensemble. Je cherche vraiment à transmettre une émotion, une sensation. » Après l’Inde, Alia Baré, s’installe à Singapour, ne pouvant plus assurer le suivi de la production de ses bijoux, elle se forme aux métiers de la mode. Avec son engagement éthique, elle valorise les artisans locaux et aspire à faire rayonner la richesse de l’Afrique à l’échelle mondiale. En 2015, elle y lance sa marque éponyme.  « Bien qu'étant du Niger, Dakar, c'est un peu ma seconde maison et c'est là où je suis venue. J'y ai tout de suite ouvert mon atelier. En 2015, je saute dans le grand bain à peine diplômée. Je n'ai pas fait de stage long, j'ai fait mon stage d'école à Singapour, mais je n'ai pas fait de stage dans une maison de couture. Là, pour moi, il n'y avait pas de temps à perdre. Il fallait foncer et me jeter à l'eau. Le plus difficile était de constituer une équipe. Mais il se trouve qu'une de mes amies connaissait un chef d'atelier, qui très doué, et j'ai dû le démarcher, le convaincre. Je lui ai dit : "C'est une aventure que je commence. Crois-moi, si tu me suis, si tu me fais confiance, on fera de belles choses ensemble, on sera une équipe à part entière". Et jusqu'à aujourd'hui, il est avec moi et on travaille ensemble. Tout ce travail, je n'y serais pas arrivée sans lui non plus. Il y a donc aussi cette gratitude par rapport à ce que certains appellent les petites mains. Les petites mains, c'est souvent associé aux techniques de perlage, aux petits détails. Mais il y a aussi des personnes comme les chefs d'atelier, les coupeurs et autres, qui font un travail extraordinaire et qui permettent de donner vie à nos envies, à nos rêves. » La mode transforme la douleur ou la joie. Pour Alia Baré, c’est une forme de guérison. « Enfant, j'étais quelqu'un d'assez introvertie et la création est devenue une manière d'exprimer tout ce que je ressens. Je ressens très intensément, je suis une hypersensible. J'ai perdu mon père à 17 ans, et c'est quelque chose qui m'a beaucoup affectée. La création me permettait de sortir toute cette douleur sans avoir à parler. C'est une thérapie. Au fur et à mesure, mes collections ont évoluées. Si on regarde rétrospectivement, mes premières collections étaient très noires. C'était du noir, du cuir. C'était torturé, et au fur et à mesure, c’est devenu plus léger. »   À lire aussiEmma Style : la mode et l'accompagnement des femmes, par Emmanuelle Jodan Adjovi   La sensibilité d’Alia Baré aux couleurs et aux matières nourrit ses collections. Son processus créatif, sensible et flexible, puise dans la mythologie, la nature et son vécu. « Mes amis se moquent de moi parce que je dis que la matière est poétique. J'ai l'inspiration du poète. Par exemple, il y a un an, j'ai fait une collection inspirée par le tableau "Les nénuphars" de Claude Monet, que j'adore. J'ai pris les feuilles de nénuphars, mais j'ai décliné un peu en abstrait. J'ai décliné les couleurs, le turquoise, certaines petites pointes de bordeaux et autres, et j'en ai fait toute une collection sur le côté nymphéas avec des femmes en fleurs dans un jardin. Cela peut partir de l'amour. Si je ressens énormément d'amour, si je tombe amoureuse, les gens qui me connaissent le savent parce qu'il y a une légèreté qui se dégage, dans les couleurs aussi. C'est également le cas quand je suis triste. J'ai connu une rupture très douloureuse et j'ai fait une collection qui s'appelait Narcisse et Écho. J'adore la mythologie grecque, donc la nymphe Écho qui devient un écho par rapport à l'amour non partagé de Narcisse, qui lui aussi meurt de son amour-propre, parce que cette personne était narcissique. J’ai guéri de cette relation à travers cette collection. » Pour ses créations, Alia Baré utilise des matériaux durables, de qualité qui témoignent aussi de la richesse de son héritage, tout en adoptant une esthétique contemporaine. « En ce moment, je suis complètement in love de l'Aso Oke, un pagne tissé du Nigeria. Il y a quelque temps, c'était le batik. J'aime beaucoup. Ces matériaux arrivent à donner une intensité, c'est-à-dire qu'il y a une qualité beaucoup plus importante que ce qu'on va retrouver parfois au Sénégal. Parce que le problème, c'est que parfois, dans le travail de l'artisanat, il y a une perte de qualité. Les artisans bâclent un peu le travail. C'est dur à dire, mais souvent, on perd en qualité de certaines matières. Il y a deux ans, j'étais complètement dans le bogolan, c'était incroyable. J'adore aussi la soie, la vraie soie naturelle. Le vrai batik d'Indonésie sur soie, c'est d'une poésie extraordinaire, aussi dans l'intensité des couleurs. La dentelle de Calais ou de Chantilly par exemple, j'adore. Je suis une fan de tissus. En ce moment, je suis à fond dans ce qu'on appelle Aso Oke, c'est yoruba, avec des grandes intensités de couleurs, qui tournent aussi des rayures, donc on a une possibilité de s'amuser sur ces rayures. J'adore les fleurs, j'aime beaucoup le côté cursif et instinctif naturel des fleurs, mais j'aime beaucoup aussi la rectitude des lignes. L’un n'empêche pas l'autre. » La préservation des métiers d’art traditionnels africains, souvent menacés par la mondialisation, est essentielle aux yeux d’Alia Baré. « Pouvoir déjà obliger ces artisans à maintenir des standards de qualité... En règle générale, pour des petits détails qui ne vont pas sauter aux yeux de prime abord, disons une tenue même, on passe d'un temps simple à un temps doublé, voir triplé, quand certaines étapes doivent être respectées. L'enjeu, c’est comment le faire comprendre aux tailleurs. Moi, je les paye pour qu’ils n’aient pas cette pression. Quand il y a un défaut sur une tenue, il faut qu'ils aient le temps de défaire et refaire sans que cela n’ait un impact sur leurs revenus. C'est très important qu'on puisse leur donner le temps de bien travailler dans des conditions correctes. Ensuite, les artisans, les tisserands, il faut leur donner des débouchés. Le principal, à travers l'amour du métier, c'est de ré-insuffler cet amour. Il y a des initiatives avec des maisons qui créent des écoles où on enseigne ce savoir-faire. L’État commence au fur et à mesure à investir. En dehors de l'État, il y a également des organismes qui permettent de former les jeunes générations sur ces standards, et c'est notre pierre à l'édifice d'assurer à ces artisans que nous continuons à travailler leur matière et que nous les rémunérons correctement. En Afrique, ce qui est important, c'est cette cohésion sociale qui maintient un équilibre. Et cela, quoiqu'il arrive, peu importe notre niveau de développement, c'est quelque chose qu'on ne doit pas perdre. C'est ce qui fait notre beauté, c'est ce qui fait notre singularité.  »    Abonnez-vous à "100% création"  "100% création" est disponible à l’écoute sur toutes les plateformes de podcasts : PURE RADIO, Apple Podcast Castbox Deezer Google Podcast Podcast Addict Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS.   Si vous aimez ce podcast, donnez-lui 5 étoiles et postez un commentaire sur ces applications pour qu'il soit visible et donc encore plus écouté  Retrouvez-nous aussi sur nos réseaux sociaux : Instagram 100% Création Facebook 100% Création-RFI

Designer franco-togolaise, Nadiya Rauscher a grandi entre le Togo et le Gabon. Formée à la mode à Libreville, elle s'installe en France et plus précisément en Alsace. Ce parcours biculturel lui permet de fusionner dans ses créations authenticité et modernité en faisant de son identité un véritable atout. Son enfance a été marquée par la diversité culturelle, la musique, la danse, et l'artisanat local. Ces premières années ont forgé sa sensibilité esthétique, qui se retrouve dans ses collections. Nous l'avons rencontrée lors du Yas FIMO228 à Lomé. « Créer, coudre, c'est ma vie. J'adore. C'est ce que je sais faire de mieux. Une joie de vivre, nous a confié Nadiya Rauscher, fondatrice de la marque éponyme. Je couds, je dessine tout le temps. Je travaille aux heures normales et après, je suis tout le temps à l'atelier, je travaille, je crée, je chine aussi pour trouver des tissus en coupons, ce qui me permet de faire des pièces uniques. » Nadiya Rauscher est née à Sokodé, au Togo, dans une famille de couturières et couturiers. Dès son enfance, elle a été bercée par le tissu, la couture et l'artisanat. Elle a donc grandi dans un environnement où la créativité était une évidence : « Quand on est enfant, être dans un atelier de couture avec les chutes de tissu par terre, pour une petite fille, c'est une manière de faire des petites robes pour sa poupée. C'est comme cela que cela a commencé. Puis, au fur et à mesure, à force de traîner dans les ateliers, on nous envoyait aller acheter des boutons, des fermetures. Pour moi, c'était un jeu d'enfant. J'aimais bien, mais je n'avais pas ce métier comme rêve. À 14 ans, mon rêve, c'était de devenir architecte. Mais la mode était en moi sans que je le sache, parce que je commençais à faire mes vêtements moi-même. À 16 ans, je suis allée vivre au Gabon, à Libreville. Chez nous, les Kotocoli, quand il y a un mariage ou un baptême, il y a toujours l'uniforme, le pagne. Tout le monde doit porter le même pagne. Et moi, j'aimais bien avoir un style particulier. Je me faisais mes propres vêtements cousus à la main. Je travaillais dans une famille comme nounou, et il y a une dame qui m'a repérée en train de coudre. Elle m'a posé la question : "Qu'est-ce que tu fais ici, pourquoi es-tu nounou ?". J'ai dit : "Bon, il faut bien que je gagne ma vie." C'est elle qui m'a encouragée à aller apprendre la couture dans un atelier. Elle m'a envoyée chez un de ses amis couturier. J'ai travaillé dans cet atelier six mois. Et un an après, j'ai décidé de m'inscrire dans une école de design de mode. » Au Gabon, Nadiya Rauscher étudie la mode, participe à des concours, expose ses créations. Elle connaît la théorie aussi bien que la pratique : « À l'école, nous commençons tout doucement. Alors que dans un atelier de couture, avec un couturier sur place, ce n'est pas la même chose. C'est tout de suite dans la couture. Après, les deux se combinent très bien. Je trouve que c'est génial si on arrive à combiner les deux, parce que quand on devient créateur, on en a besoin surtout pour transmettre. Aussi, on a besoin de la théorie. Il faut expliquer pourquoi on fait ci, pourquoi et comment il faut travailler telle matière, il faut tel thermocollant, tel bouton, il faut expliquer... Dans un atelier, ce n'est pas tout à fait la même chose, mais je pense que le travail final revient au même. » Lorsque Nadiya Rauscher s'installe en France, en Alsace, pour suivre l'amour et ses rêves, son arrivée lui offre la possibilité de s'ouvrir à la mode internationale tout en conservant ses racines, son histoire. Elle crée, en 2017, sa marque éponyme, puis ouvre sa boutique quelques années après. « J'ai rencontré mon mari à Libreville. C'est l'amour qui m'a fait partir de Libreville et me retrouver en France, en Alsace. J'ai dû tout recommencer, arriver dans un pays où je ne maîtrisais pas encore la culture et les mœurs. Ce n'était pas évident, mais je croyais en moi, et la passion qui m'animait m'a permis d'arriver où je suis aujourd'hui. J'ai d'abord travaillé dans le prêt-à-porter hommes et femmes, et quelques années plus tard, j'ai créé ma marque. Quand j'ai créé ma marque, je n'ai pas ouvert la boutique tout de suite. Je me suis mise à mon compte. J'ai ouvert la boutique en 2021. Au début, quand je suis arrivée en France, j'avais ce rêve-là d'avoir ma boutique, de créer ma marque, mais je ne savais pas par où commencer. Je ne maîtrisais pas les codes du pays. C'est arrivé au fur et à mesure, et le fait d'avoir travaillé dans des magasins de prêt-à-porter pour femmes et hommes m'a beaucoup apporté. Quand j'ai ouvert ma boutique, j'avais fait quelques formations, donc cela m'a facilité aussi la tâche. Ce n'était pas évident mais je croyais en mon rêve. » Nadiya Rauscher propose des pièces qui s'adaptent à toutes les morphologies, genres et styles de vie. La personnalisation est un pilier de sa démarche : « Je prône la mode inclusive parce que je n'ai pas envie de me mettre dans une case, je n'ai pas envie d'avoir du style. Mon style, c'est de ne pas en avoir parce que j'ai envie de donner la possibilité à toutes les femmes, peu importe leur morphologie, leur style, leur genre, d'affirmer leur personnalité. » La passion qui l'anime se traduit dans chaque pièce que Nadiya Raucher conçoit. S'y mêlent émotion, savoir-faire traditionnel et une touche personnelle qui reflète sa vision artistique. La créatrice de mode suit son intuition dans le choix du tissu : « De loin, on peut voir le textile. Il y a les motifs, les couleurs, mais ça ne suffit pas, parce que c'est au toucher que l'idée peut naître. C'est le toucher qui définit. Ensuite, si on prend ce tissu, on sait ce qu'on va faire avec. Quand je vais dans un magasin de tissus, j'ai l'impression d'être comme un enfant qui arrive à Disney. Je ne sais pas où donner de la tête, je prends ce que je peux prendre. Et il y a aussi un tissu que j'ai envie d'utiliser, mais je n'ai pas encore commencé, parce que dans mon village natal, on a un tissu traditionnel qui y est fabriqué. Le coton est cultivé, filé et tissé dans mon village. Le tissu s'appelle tem. C'est un tissu qui est porté pendant les grandes cérémonies et j'ai envie de travailler avec, de l'associer avec la toile denim pour essayer d'apporter une touche d'originalité à ce tissu traditionnel et à la toile denim aussi. Je me dis que c'est dommage de sacrifier ces tissus traditionnels parce qu'ils ne sont vus que pendant de grandes cérémonies. » La conception d'une collection passe par plusieurs étapes : esquisses, choix des matériaux, travail sur la coupe, et réalisation. Nadiya Raucher aime expérimenter avec les textures, les couleurs, et les formes pour créer des collections originales. Mais elle aimerait aussi valoriser un peu plus les tissus traditionnels africains dans ses créations : « Nous, créateurs africains ou d'origine africaine, nous ne mettons pas assez en valeur notre tissu traditionnel. On peut faire mieux. Il y en a certains qui le font et on peut tous faire mieux. C'est un peu compliqué parce qu'il y a aussi l'influence de la mode internationale, alors qu'en Afrique, on a tellement eu de tissus traditionnels qu'on peut mixer entre les tissus traditionnels occidentaux et nos tissus traditionnels. La mode, on en fait ce qu'on veut. Les tissus, quand on les a, il n'y a pas de limites. On peut se permettre d'associer tout ce qu'on veut et faire des propositions. Souvent, quand on lance une tendance, tout le monde est là-dessus : ''Ah oui, c'est la tendance cette année, telle coupe, telle matière, telle couleur...'' Oui, c'est parce qu'il y a certaines personnes qui ont décidé de lancer cette tendance. Mais malheureusement en Afrique, on n'a pas de tendances. Je ne sais pas si on n'a pas d'idées ou si on n'ose pas. La tendance vient toujours de l'Occident, alors qu'en Afrique, il y a de quoi faire. Nous avons la matière première. » Nadiya Raucher rêve de revenir au Togo pour partager son savoir-faire, valoriser les tissus traditionnels, et encourager la nouvelle génération de créateurs africains à oser, à innover, et à faire rayonner leur culture : « La mode n'a pas de frontières, mais en Afrique, nous avons de quoi faire. En tant que créateurs d'origine africaine, c'est vrai que je ne vis plus à Lomé ni à Libreville. Je suis maintenant en France. Mais je suis ravie de revenir et de participer aux FIMO228. C'est aussi une manière d'apporter le savoir-faire que j'ai et de transmettre à la nouvelle génération. Il y a quelques jours, j'étais dans un centre des métiers d'art et d'artisanat. J'avais vu la responsable de cette école, j'ai proposé mes services pour faire une demi-journée d'atelier sur le cours de moulage. Je fais partie des personnes inspirantes parce que nous, nous sommes des exemples. J'ai donc été ravie. Les étudiants aussi, ils étaient captivés. J'ai travaillé à peu près 6 heures avec eux et cela a été un grand moment d'émotion pour moi, parce que je trouve que la nouvelle génération de créateurs togolais est douée et ce sont des passionnés. Mon objectif final, c'est de revenir à Lomé et de transmettre. C'est mon rêve. » À lire aussiTogo: au FIMO228, la haute couture africaine dans tous ses éclats   Abonnez-vous à 100% création  100% création est disponible à l'écoute sur toutes les plateformes de podcasts : PURE RADIO, Apple Podcast , Castbox,  Deezer , Google Podcast,  Podcast Addict,  Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS. Si vous aimez ce podcast, donnez-lui 5 étoiles et postez un commentaire sur ces applications pour qu'il soit visible et donc encore plus écouté. Retrouvez-nous aussi sur nos réseaux sociaux : Instagram 100% Création , Facebook 100% Création-RFI

Yann Lagoutte, maître brodeur, directeur de l’école de broderie d’art de Quimper, passionné par la transmission d’un savoir-faire ancestral et la création, est un artisan d’exception. Formé initialement en bijouterie, il a évolué vers la broderie d’art, obtenant le titre prestigieux de meilleur ouvrier de France en 2011. Son engagement dans la passation de savoir-faire, à travers la création, la formation et la direction d’école, témoigne de sa passion pour la préservation et la valorisation des techniques artisanales bretonnes. Il représente le renouveau de l'école de broderie d'art de Quimper, alliant tradition, innovation et ouverture sur le monde. « En broderie, on fait des gestes qui sont répétés, qui doivent être précis. On se met dans sa bulle. », explique Yann Lagoutte, artiste, enseignant et directeur de l'école de broderie d'art de Quimper. On va venir se concentrer sur deux centimètres carrés et on va venir faire des mouvements qui vont être précis, qui vont nous permettre d'être dans un autre monde. On peut y passer des heures et des heures sans se rendre compte du temps qui passe. Yann Lagoutte est né en région Rhône Alpes, dans le sud-est de la France, mais il a toujours eu un lien très fort avec sa culture bretonne grâce à sa mère. C’est avec elle qu’il commence à broder à l’âge de 16 ans. « Dans un premier temps, c'était pour essayer de refaire la reproduction de costumes traditionnels. Et dans cette optique-là, lors de mes études, j'ai voulu faire un stage au sein de l'école de broderie. Je suivais à l'époque des études en bijouterie joaillerie, qui est aussi un métier artisanal et artistique, c'est comme cela que j'ai rencontré l'entreprise. Un stage d'un mois ici, cela a été vraiment une révélation, au niveau du savoir-faire, au niveau du geste. J'ai continué à broder pour mon plaisir, suite au stage. J'ai fini mes études. J'ai commencé à être bijoutier-joaillier en entreprise. En 2003, Monsieur Jaouen, qui a créé l'entreprise en 1995, m'a contacté pour me proposer un poste. C'était un peu particulier parce que je venais juste de commencer ma vie professionnelle. J'ai pris un virage à 90 degrés en acceptant le poste, rapidement. En 2003, je me retrouve au sein de l'entreprise École de broderie, où je fais une formation de moins d'un an pour maîtriser toutes les techniques enseignées au sein de l'école. L’été 2024, je commence mon travail en tant que formateur. » Artisan d’exception reconnu comme meilleur ouvrier de France, en 2011, aujourd’hui, directeur de l’école de broderie d’art, Yann Lagoutte est un passeur de savoir. Son école de broderie forme chaque année plus de deux mille élèves. « Nous choisissons nos propres programmes orientés en fonction aussi d'une mode ou d'une volonté de certains élèves, quand nous avons des retours. Nous avons un panel d'un peu plus de quinze techniques de broderie différentes qu'on peut enseigner, tous les ans. Les formateurs ont une formation en interne pour faire soit de la remise à niveau, soit un apprentissage complet d'une nouvelle technique par exemple, qui va être présentée. Ensuite, on va l'enseigner à ces personnes pour leurs loisirs. » Avec un peu plus d’une dizaine de techniques issues du territoire breton, comme la broderie Glazig ou Bigoudène, l’école fait vivre un patrimoine riche tout en le rendant accessible à un public amoureux de la broderie. « Celle qui nous tient vraiment à cœur, c'est la broderie Glazig. La broderie Glazig qui prend son nom du pays de Quimper. Quand on parle de pays en Bretagne, il faut imaginer que c'est plutôt une communauté de communes. Le pays de Quimper comprend 28 communes où la mode traditionnelle vestimentaire était la même dans ces 28 communes et sur ces costumes traditionnels, il y avait une broderie spécifique qui a pris le nom du territoire Glazig. Elle nous tient à cœur parce que c'est une broderie très colorée, réalisée avec un fil luxueux, un fil de soie. Le relief est donné à la broderie, mais sans faire un travail de rembourrage ou de bourrage dessous. Dans le sud Finistère, on va venir broder plusieurs épaisseurs de tissu en même temps pour donner le relief, ce sont les spécificités de cette broderie-là. Elle nous a tenu à cœur parce que c'est la broderie de l'entreprise. » « Il va y en avoir d'autres. La broderie Bigoudène la plus connue des personnes s'intéresse à cette culture bretonne. C'est une broderie imposante sur les costumes traditionnels femmes et hommes, et qui est très voyante puisqu'elle est sur les dernières modes, soit orangé, soit jaune. Il y a des broderies beaucoup plus discrètes, comme la broderie Léonarde de la région du nord de Brest. Vous avez dans le Morbihan des techniques de broderie sur velours, incluant le piétement. Et puis quand on va se concentrer sur le travail de broderie qui se fait sur les coiffes, là, on va avoir des broderies sur tulle, la broderie Richelieu à la mode bretonne ou de la broderie blanche. » Maintenir en vie la broderie bretonne, c'est aussi pouvoir réinterpréter les motifs traditionnels selon Yann Lagoutte. « Pour faire rêver les gens, leur donner l'idée ou l'envie de vouloir refaire un peu la même chose, pour être fiers de manipuler et de créer de ses mains. Il était important pour nous de l'extraire de cette forme traditionnelle. On a un fond très riche et ce que l'on fait, c'est piocher dans ce fond-là. On prend, par exemple, une forme d'un costume traditionnel qui nous interpelle, on prend le motif de la broderie, la technique, puis les matières et que l'on extrait de cette forme traditionnelle tout en gardant le style. On la retravaille un peu dans les mêmes motifs, peut-être dans les mêmes matières, mais avec un style plus contemporain. Et dans un premier temps, ce qu'on a fait, c'est qu'on l'a représenté sur des tenues que l'on peut définir " haute couture ", bien que ce ne soit pas de la haute couture, mais en tout cas un vêtement unique brodé à la main et qui n'a plus a priori de rapport avec la forme traditionnelle. Puis quand on va s'approcher, on va retrouver des éléments qui peuvent être multiples ou qui ne peuvent être que petits éléments et donner l'idée à la personne qui voit ces pièces-là que c'est quelque chose d'aujourd'hui, qu'on n'est pas sûr du "ringard" ou du "vieillot". Les gens vont savoir que c'est une culture vivante, qu'elle est actuelle et qu'on peut se l'approprier. » La broderie, pour Yann Lagoutte, n’est pas seulement un art, c’est une façon de transmettre une identité et surtout une passion. Un attachement qu’il souhaite partager encore longtemps, pour que le fil de ce savoir-faire ancestral ne se brise pas. « Cette culture, elle peut mourir à tout moment. Je vais prendre l'exemple du point de Beauvais. Le point de Beauvais. En professionnel, on est six à le maîtriser encore aujourd'hui, dont deux à l'école. Donc, c'est vraiment impératif qu'on continue à l'enseigner autrement. Ce point de Beauvais, il peut se perdre, il peut être enseigné d'une façon aléatoire et ce n'est pas forcément ce que l'on souhaite. C'est vraiment quelque chose qui me tient à cœur. La deuxième chose qui me tient à cœur, c'est de continuer à créer de ses mains. Aujourd'hui, on se rend compte qu'il y a plein de choses qui vont peut-être nous aider dans un futur avec, avec l'IA, avec les impressions 3D, avec les découpes laser. Ce sont des choses qui sont beaucoup plus mécanisées. J'aime continuer à faire du travail à la main. Pour moi, c'est important quand on est concentré sur un élément. Quand on est concentré sur une broderie, on va passer beaucoup de temps sur une petite surface et ça, ça me fait énormément de bien. Ça me fait du bien dans ma tête. » Yann Lagoutte et son école participe à des collaborations internationales avec des brodeuses ou d’autres artisans pour montrer que le savoir-faire breton peut s’inscrire dans une démarche globale, contemporaine et inventive. « Celle qui m'a beaucoup touché, ça a été une collaboration avec des brodeuses, mais des brodeuses du Canada, une ethnie qui s'appelle les Métis, une ethnie, on va dire, de commerçants. C'étaient des Métisses entre les autochtones et les Européens. Ils avaient une technique de broderie un peu spécifique, où ils récupéraient des pics de porc-épic pour pouvoir faire une broderie qui s'apparente à du perlage. Et on a fait une collaboration avec ces brodeuses canadiennes. Ça, c'est assez touchant parce qu'il y a toute une histoire aussi de leur côté. On se retrouve avec deux histoires qui peuvent être un peu similaires par certains points. On avait beaucoup de choses en commun avec des personnes extraordinaires. Et là, on a un projet mis en place pour cette fin d'année et l'année prochaine, parce que l'entreprise a 30 ans cette année et il faut marquer un peu cet anniversaire-là avec Sophie Ambroise qui est Quimpéroise. Sophie fait de l'impression sur papier, en sérigraphie et donc on va proposer des projets en commun et on va proposer l'été prochain un stage. C'est-à-dire que les stagiaires qui souhaiteraient venir vont faire sur une première partie de semaine la sérigraphie. Elles vont faire de A à Z le motif, l'impression sur tissu et ensuite la deuxième partie de semaine, on va nous leur apprendre à rebroder cette sérigraphie. » Abonnez-vous à 100% création 100% création est disponible à l’écoute sur toutes les plateformes de podcasts : PURE RADIO, Apple Podcast Castbox Deezer Google Podcast Podcast Addict Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS.   Si vous aimez ce podcast, donnez-lui 5 étoiles et postez un commentaire sur ces applications pour qu'il soit visible et donc encore plus écouté  Retrouvez-nous aussi sur nos réseaux sociaux : Instagram 100% Création Facebook 100% Création-RFI

Aujourd’hui la mode, la mode et encore la mode avec Boubacar AG Midaye, styliste designer malien et fondateur de Mida Style. Ce jeune créateur n’a jamais renoncé à sa passion : la mode. Il propose des collections unisexe, d’inspiration Touareg, un design du nord du Mali sur des tissus du sud du pays afin de promouvoir la paix et d’unifier son pays. Cet autodidacte est porté par l’amour, l’originalité et la joie qu’il infuse dans ses collections. Rediffusion de la chronique du 29 janvier 2023 Abonnez-vous à 100% création  100% création est disponible à l’écoute sur toutes les plateformes de podcasts : Pure Radio, Apple Podcast, Castbox, Deezer, Google Podcast, Podcast Addict, Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS.   Si vous aimez ce podcast, donnez-lui 5 étoiles et postez un commentaire sur ces applications pour qu'il soit visible et donc encore plus écouté. Retrouvez-nous aussi sur nos réseaux sociaux : Instagram / Facebook