Conversa de Câmara: podcast sobre música clássica!

Composta durante uma visita de Colin McPhee ao México em 1936, Tabuh-Tabuhan é uma toccata orquestral para dois pianos solo. Logo após McPhee ter terminado de escrever a obra, Carlos Chávez e a Orquestra Nacional da Cidade do México a apresentaram pela primeira vez. O nome incomum e as origens da obra são explicados por McPhee em suas notas de programa:

“Tabuh-Tabuhan foi composta depois de eu já ter passado quatro anos em Bali envolvido em pesquisa musical, e é amplamente inspirada, especialmente em sua orquestração, pelos vários métodos que aprendi da técnica do gamelão balinês.
O título da obra deriva da palavra balinesa 'Tabuh', que originalmente significava o martelo usado para tocar um instrumento de percussão, mas cujo significado foi ampliado para incluir golpe ou batida – o tambor, um gongo, xilofone ou metalofone. Tabuh-Tabuhan é, portanto, um substantivo coletivo balinês que engloba diferentes ritmos de tambor, formas métricas, pontuações de gongo, gamelões e música essencialmente percussiva.

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As Variações para Orquestra, op. 31, de Arnold Schönberg, marcaram um momento revolucionário na música do século XX. Estreada em 1928 em Berlim, sob a regência de Wilhelm Furtwängler, a obra causou controvérsia ao aplicar, em grande escala orquestral, o método dodecafônico — sistema que organiza a música a partir de doze sons com igual importância. Estruturada em tema e variações, a peça percorre diferentes atmosferas e texturas, como se apresentasse múltiplas visões de uma mesma paisagem sonora.
Composta em um período de tensões pessoais e profissionais, enquanto Schönberg atuava na academia em Berlim, a obra enfrentou dificuldades desde sua criação até sua estreia, considerada um fracasso inicial. Ainda assim, com o tempo, consolidou-se como um marco da música moderna, equilibrando inovação radical e referências à tradição, como a homenagem a Johann Sebastian Bach. Hoje, é reconhecida como uma peça essencial para compreender os caminhos da música contemporânea.
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Apresentado por Aarão Barreto com Aroldo Glomb na bancada

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Osvaldo Golijov é um compositor argentino nascido em 1960, em La Plata, que se tornou uma das vozes mais singulares da música clássica contemporânea. Sua obra The Dreams and Prayers of Isaac the Blind (ou Sonhos e Orações de Isaac, o Cego) é um retrato musical da história e espiritualidade judaica, inspirada na mística cabalística e na memória de sua própria família.

Essas três línguas não são apenas meios de comunicação, mas símbolos de diferentes fases da história judaica: o aramaico da sabedoria rabínica, o hebraico da revelação e identidade nacional, e o iídiche da vida comunitária na diáspora. É justamente essa riqueza que Osvaldo Golijov evoca em The Dreams and Prayers of Isaac the Blind, transformando idiomas em música e memória.
Apresentado por Aroldo Glomb com Aarão Barreto na bancada
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Franz Schubert compôs sua Sinfonia nº 9 em Dó maior, conhecida como “A Grande” (Grosse C-Dur), entre 1825 e 1826, durante uma fase de relativa prosperidade. Ele viajava pela Áustria acompanhado do barítono Michael Vogl, intérprete de seus lieder, e finalmente começava a conquistar reconhecimento e estabilidade financeira.
O apelido “A Grande” surgiu para distingui-la da Sinfonia nº 6 em Dó maior, chamada de “Pequena” (Kleine C-Dur). Mas o título também reflete sua escala monumental: a obra dura cerca de uma hora, rivalizando em extensão com a Nona de Beethoven, que Schubert havia assistido em 1824 e que o inspirou profundamente.
Apesar de concluída em 1826, a sinfonia não foi executada em vida do compositor. O manuscrito permaneceu guardado até ser descoberto em 1838 por Robert Schumann, que o encontrou entre os papéis de Ferdinand, irmão de Schubert. Schumann ficou impressionado e levou a partitura a Leipzig, onde Felix Mendelssohn estreou a obra em 1839. Porém, preocupado com a resistência do público, Mendelssohn apresentou apenas parte da sinfonia. A execução integral só se consolidaria décadas depois, quando os músicos já estavam preparados para enfrentar sua extensão e complexidade.
Apresentado por Aarão Barreto (em sua estreia) com Aroldo Glomb na bancada
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Stéphan Elmas (1862–1937) foi um pianista e compositor armênio que viveu boa parte de sua vida na Europa. Considerado um prodígio do piano, estudou em Viena e foi fortemente influenciado pelo romantismo tardio, especialmente por Chopin, Liszt e Schumann. Sua carreira foi marcada por um estilo lírico e melódico, com grande ênfase na expressividade pianística. Apesar de ter perdido a audição em consequência de uma doença, continuou compondo e deixou um legado significativo, ainda que pouco conhecido fora de círculos especializados.
O Concerto para Piano n.º 1 em Sol menor, composto em 1882, é uma obra típica do romantismo tardio, estruturada em três movimentos. A peça combina virtuosismo pianístico com uma escrita orquestral rica, revelando tanto a herança vienense quanto a sensibilidade melódica armênia de Elmas.
Apresentado por Aroldo Glomb com Aarão Barreto na bancada.
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⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠ RELAÇÃO DE PADRINS Aarão Barreto, Adriano Caldas, Gustavo Klein, Fernanda Itri, Eduardo Barreto, Fernando Ricardo de Miranda, Leonardo Mezzzomo,Thiago Takeshi Venancio Ywata, Gustavo Holtzhausen, João Paulo Belfort , Arthur Muhlenberg e Rafael Hassan.