Cinematografia Podcast

Bem-vindos a mais um Sessão Extra

Um pregador com LOVE tatuado numa mão e HATE na outra, um hino religioso assobiado no escuro e duas crianças guardando um segredo de dez mil dólares. Abrimos o Mês das Bruxas com O Mensageiro do Diabo (The Night of the Hunter, 1955), o único filme dirigido por Charles Laughton. Foi um fracasso na estreia e hoje aparece com frequência nas listas de maiores filmes da história.

Gravamos em 4 de outubro, dia de eleição, e a coincidência ajudou. Poucos filmes mostram com tanta precisão como o vocabulário da fé pode servir a quem só quer dinheiro e poder. Harry Powell (Robert Mitchum) não sente culpa nem dúvida: mata convencido de que cumpre a vontade de Deus. Do outro lado está Rachel Cooper (Lillian Gish), que canta o mesmo hino e lhe devolve outro sentido.

Neste episódio:
* Drama religioso, noir, thriller, terror ou conto de fadas? O filme que não cabe em uma gaveta só
* Harry Power, o assassino real que inspirou o melhor vilão de todos: Harry Powell
* Um psicopata filmado antes de o termo "serial killer" se popularizar
* Expressionismo alemão e cinema mudo na fotografia de Stanley Cortez
* John, Pearl e a fuga pelo rio: a infância posta à prova pelo mundo adulto num conto de fadas às avessas
* Os ecos do filme em Spike Lee, nos irmãos Coen e em Guillermo del Toro

Já viu esta obra-prima? O que achou da atuação de Robert Mitchum e do duelo final de vozes com a lendária Lillian Gish? Deixe também as suas sugestões de filmes para cobrirmos neste mês do terror!

OBRAS E FILMES CITADOS NESTE EPISÓDIO:

* 🎬 Os Inocentes (The Innocents, 1961)
* 🎬 Os Outros (The Others, 2001)
* 🎬 A Troca (Changeling, 2008)
* 📖 O Grande Massacre de Gatos, de Robert Darnton
* 📖 O Apanhador no Campo de Centeio, de J. D. Salinger

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No episódio 52 do Cinematografia Podcast, Flávia Arielo, Fernando Geloneze e Jason Baroni concluem a análise de O Pagador de Promessas (1962), de Anselmo Duarte — o único filme brasileiro a ganhar a Palma de Ouro em Cannes e uma das obras mais poderosas já produzidas pelo cinema nacional. Nesta segunda parte, o trio apresenta Zé do Burro como herói trágico no sentido grego clássico, os personagens como arquétipos do povo brasileiro e o sincretismo religioso como a cola mítica de tudo isso.

🎥 Neste episódio, falamos sobre:
Zé do Burro e a tragédia grega: por que esse personagem não tem escapatória do seu destino.
O sincretismo religioso como abertura e como tese: atabaques, via crucis, Santa Bárbara, candomblé e catolicismo numa mesma sequência sem diálogo em uma das sequências mais bonitas do cinema brasileiro.
Salvador como cenário e como personagem: a Escadaria do Santíssimo Sacramento do Paço, o Pelourinho, os pés de Zé do Burro cruzando seca, água e vegetação.
A sombra da cruz que lembra a Pietà: como Anselmo Duarte compõe imagens sacras sem precisar nomear nenhum santo.
Por que as novas gerações precisam assistir esse filme e o que se perde quando a memória cultural brasileira não passa adiante.

O Pagador de Promessas (1962) é um filme radicalmente brasileiro no sentido mais preciso e mais doloroso que essa expressão pode ter. É a história de um homem simples, intercedido pela graça, que encontra na Igreja Católica, na imprensa, na polícia e na própria mulher versões distintas da mesma resistência: ninguém sabe o que fazer com alguém que acredita de verdade.

No episódio 51 do Cinematografia Podcast, Flávia Arielo, Fernando Geloneze e Jason Baroni falam sobre a obra original de Dias Gomes adaptada brilhantes para o cinema por Anselmo Duarte. O resultado é essa obra-prima do sincretismo religioso que ganhou a Palma de Ouro em Cannes, feito único na história do cinema brasileiro.

🎥 Neste episódio, a conversa passa por:

- Dias Gomes, a peça original e a condição de não alterar uma vírgula do texto.
- Leonardo Vilar: o mesmo ator no teatro e no cinema.
- O Brasil de 1962: questões políticas, Vera Cruz, Atlântida e o que o cinema nacional perdeu desde então.
- Zé do Burro como "inocente da graça", o homem tão focado no sagrado que o carnal não o alcança.
- Rosa, o Bonitão e o enquadramento dividido pela cruz: o desejo, a culpa e o filme como obra aberta.
- Os enquadramentos e transições que compõem a linguagem cinematográfica de Anselmo Duarte.

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Dreyer filma o milagre como ninguém filmou antes ou depois: sem glória, sem anjos cantando, sem luz dourada descendo do céu. E, ppr isso, A Palavra é um dos filmes mais impactantes da história do cinema.

O filme de 1955 se passa numa fazenda dinamarquesa onde dois tipos de protestantismo convivem em tensão, onde um dos filhos enlouqueceu e acredita ser Jesus, onde uma mulher morre no parto e onde a fé é um personagem que o filme leva absolutamente a sério.
Dreyer filma, em partes, dentro daquilo que Schrader chamou de estilo transcendental: encenação teatral, câmera quase imóvel, personagens que parecem falar para o espectador e não entre si. É desconfortável. É paralisante. E é radicalmente diferente de tudo que você já viu.

Neste Sessão Extra, Flávia Arielo e Jason Baroni analisam A Palavra — o segundo Dreyer do podcast — e chegam à cena final completamente sem defesa.

🎥 Neste episódio, a conversa passa por:

Carl Theodor Dreyer como o maior cineasta dinamarquês.
O estilo transcendental no cinema, de Paul Schrader e sua relação com Dreyer.
A encenação teatral: personagens posicionados como se houvesse uma plateia — e há, somos nós.
Ioannes: Jesus ou João? Duas interpretações possíveis.
Os dois protestantismos em conflito e os três milagres que estruturam a narrativa.
A cena da ressurreição e o beijo que ninguém esperava.
O corpo como parte indissociável da fé — e por que o beijo erótico é a declaração teológica mais precisa do filme.

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Um filme que a Warner tentou engavetar, vendeu como descarte por $50 milhões e que já arrecadou $58 milhões em três semanas. A história por trás de Coyote vs. ACME é tão improvável quanto a de um coiote que passa a vida inteira comprando produtos de uma empresa que claramente quer que ele morra.

A premissa é ao mesmo tempo absurda e precisa: o Coiote processa a ACME por danos causados por produtos defeituosos. O que soa como piada de roteiro vira um filme sobre justiça, sobre a impossibilidade de vencer grandes corporações e, no fundo, sobre o que significa continuar mesmo quando o sistema é estruturalmente construído contra você. .

No episódio 50 do Cinematografia Podcast, Flávia Arielo, Fernando Geloneze e Jason Baroni analisam o filme que quase não existiu.

🎥 Neste episódio, a conversa passa por:

A história real por trás do filme: Warner, write-off de $30 milhões, venda à Ketchup Entertainment e a ironia de um filme sobre processar uma empresa que quase foi destruído por uma.
David Zaslav e a crise de identidade de Hollywood: decisões erradas, streaming canibalismo e o caso paralelo de Jurado Número 2.
O conceito do processo: e se os produtos da ACME fossem deliberadamente projetados para falhar?
O filme que não moderniza à força: sem danças de TikTok, sem referências de IA e a essência dos personagens preservada.
Albert Camus e o Mito de Sísifo aplicado ao Coiote: é preciso imaginar o Coiote feliz.

Link para o artigo da The New Yorker: https://www.newyorker.com/magazine/1990/02/26/coyote-v-acme

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