Beaux-Arts de Paris

Parlons ménage !
L’artiste Miriam Cahn, qui présente actuellement l’exposition STILL LEBEN à la galerie Jocelyn Wolff échange avec la commissaire et historienne de l’art Marta Dziewańska et la curatrice Emma Lavigne. Ensemble elles reviennent sur les enjeux de l'exposition et sur la manière dont cette nouvelle série d’œuvres prolonge les engagements et luttes féministes de l’artiste : comment l’attention portée aux objets et aux gestes du quotidien est politique.Comme l’écrit Yann Châteigné Tytelman dans le texte de l’exposition : « Avec STILL LEBEN, Miriam Cahn s’engage dans un nouveau travail. Dans ces œuvres récentes, presque toutes produites ces derniers mois, plus de corps ou presque. Uniquement des objets, des situations quotidiennes, des intérieurs. Plus de brutalité, du moins en apparence. Mais une concentration sur le monde domestique et ce que l’artiste appelle le ménage. »Influencée par l’art de la performance ainsi que par les mouvements féministes des années 1960 et 1970, Miriam Cahn développe dans les années 1980 un travail intégrant de grands dessins noirs et puissants représentant des navires de guerre, des téléviseurs, des avions de chasse et d’autres éléments issus d’un imaginaire traditionnellement masculin. Elle utilise son propre corps pour activer le dessin dans un geste performatif. Le corps n’est pas seulement un sujet de contemplation : il constitue également un médium pour l’artiste. À partir de 1994, Cahn introduit la couleur dans son travail, sensible à la puissance formelle et psychologique des images issues des médias de masse. Au cours des dernières décennies, l’ampleur et la richesse iconographique de son œuvre abordent des thèmes récurrents tels que le corps, les conflits humains, l’habitat, la guerre, la nature et le paysage, qu’ils soient réels ou imaginés.Miriam Cahn (née à Bâle en 1949) vit et travaille à Stampa, Suisse.Principales expositions personnelles: MAAT - Museum of Art, Architecture and Technology, Lisbon (2025), Stedelijk Museum (2024), Palais de Tokyo (2023); ICA Milan (2022); Museum für Gegenwartskunst Siegen (2022), the Kunsthal Charlottenborg (2020) & The Power Plant, Toronto (2021); Palazzo Castelmur (2021); Sifang Art Museum (2020); Kunstmuseum Bern (2019), Haus der Kunst, Munich (2019) & Museum of Modern Art, Warsaw (2019); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2019); Kunsthaus Bregenz (2019).Elle a participé à la 59ème Biennale de Venise (2022) et à la documenta 14 à Kassel et à Athènes (2017). Elle a reçu des prestigieux prix dont le 14ème Rubens Prize de la Ville de Siegen (2022), Oberrheinischer Kunstpreis Offenburg, Basler Kunstpreis, Käthe-Kollwitz-Preis Berlin, …Amphithéâtre des LogesVendredi 10 avril 2026Crédits photos : Emma Lavigne © Droits réservés / Miriam Cahn © Jocelyn Wolff / Marta Dziewańska © Thomas Meier

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À l’occasion de l’exposition Le Syndrome de Bonnard actuellement présentée au FRAC Ile-de-France dont le commissariat est assuré par le collectif Le Bureau/, composé de Marc Bembekoff, Garance Chabert, Aurélien Mole, Céline Poulin et Émilie Villez, les commissaires reviennent sur les formes et modalités de leur pratique curatoriale. 
Depuis leurs positions à géométrie variable (artistiques, esthétiques, théoriques et pratiques, institutionnelles ou indépendantes), ils et elles ont depuis une vingtaine d’années œuvré à définir leur travail à l’intersection de dynamiques collectives et d’engagements individuels. 
À rebours de la figure de commissaire auteur, ils privilégient une approche curatoriale expérimentale et horizontale.  Au cours de cette rencontre ils et elles reviennent sur quelques protocoles mis en œuvre pour valoriser les trajectoires et la polysémie des œuvres d’art incluant les artistes, les institutions et les publics. 
Fondé en 2004, le Bureau/ est un collectif qui regroupe des membres aux parcours et formations différentes, théoriques ou pratiques. Le collectif a réalisé plus d’une quinzaine d'expositions sur une dizaine d'années, en France et à l’étranger.
Au départ, la forme du collectif intègre explicitement le refus d’une position souveraine d’une ou d’un commissaire compris comme autrice ou auteur d’exposition. L’idée est de produire par un travail collégial une approche expérimentale de la forme exposition et de penser la question de sa réception, à travers des protocoles précis - comme les règles d’un jeu. En outre, la multiplicité de points de vue des commissaires portés sur les œuvres permet de valoriser leur polysémie. Une forme spécifique de collaboration qui offre une horizontalité radicale des processus de travail.
Aujourd'hui, le Bureau/ réunit Marc Bembekoff, Garance Chabert, Aurélien Mole, Céline Poulin et Emilie Villez.
Amphithéâtre des Loges
Mardi 7 avril 2026

Crédit photo : © Aurélien Mole

À l’occasion de l’exposition Le Syndrome de Bonnard actuellement présentée au FRAC Ile-de-France dont le commissariat est assuré par le collectif Le Bureau/, composé de Marc Bembekoff, Garance Chabert, Aurélien Mole, Céline Poulin et Émilie Villez, les commissaires reviennent sur les formes et modalités de leur pratique curatoriale. 
Depuis leurs positions à géométrie variable (artistiques, esthétiques, théoriques et pratiques, institutionnelles ou indépendantes), ils et elles ont depuis une vingtaine d’années œuvré à définir leur travail à l’intersection de dynamiques collectives et d’engagements individuels. 
À rebours de la figure de commissaire auteur, ils privilégient une approche curatoriale expérimentale et horizontale.  Au cours de cette rencontre ils et elles reviennent sur quelques protocoles mis en œuvre pour valoriser les trajectoires et la polysémie des œuvres d’art incluant les artistes, les institutions et les publics. 
Fondé en 2004, le Bureau/ est un collectif qui regroupe des membres aux parcours et formations différentes, théoriques ou pratiques. Le collectif a réalisé plus d’une quinzaine d'expositions sur une dizaine d'années, en France et à l’étranger.
Au départ, la forme du collectif intègre explicitement le refus d’une position souveraine d’une ou d’un commissaire compris comme autrice ou auteur d’exposition. L’idée est de produire par un travail collégial une approche expérimentale de la forme exposition et de penser la question de sa réception, à travers des protocoles précis - comme les règles d’un jeu. En outre, la multiplicité de points de vue des commissaires portés sur les œuvres permet de valoriser leur polysémie. Une forme spécifique de collaboration qui offre une horizontalité radicale des processus de travail.
Aujourd'hui, le Bureau/ réunit Marc Bembekoff, Garance Chabert, Aurélien Mole, Céline Poulin et Emilie Villez.
Amphithéâtre des Loges
Mardi 7 avril 2026

Crédit photo : © Aurélien Mole

Le parcours de la théoricienne et cinéaste féministe Laura Mulvey a contribué à transformer en profondeur nos rapports aux images. Depuis les années 1970, la théoricienne du « male gaze » n’a cessé d’œuvrer du côté d’un regard mobilisé, conscient des asymétries entre les genres, asymétries qui structurent l’histoire des images, leur réception, leurs modalités de fabrication.La réception de son travail, en France notamment, a souvent reposé sur les liens qu’elle a su tisser avec des théoriciennes, militantes, traductrices ou enseignantes plus jeunes qui, bouleversées par ses textes, ont permis leur traduction puis leur publication.C’est le cas de la dernière traduction en date : Un Jardin, aux éditions Burn-Aout (2025). Deux des textes les plus importants de Laura Mulvey (« Le spectateur pensif » et « Le spectateur possessif ») y sont traduits par le collectif Women Remix.En dialogue avec Clara Schulmann, enseignante aux Beaux-Arts de Paris, et en présence du collectif Women Remix, elle évoque ces effets de transmission, de passation mais aussi ces questions de regard mobilisé et curieux, éminemment féministe.Née en 1941, professeure émérite à l’Université Birkbeck à Londres, Laura Mulvey est une figure centrale de la culture visuelle telle qu’elle se construit dans la seconde moitié du XXe siècle. En 1975, elle publie dans la revue Screen un article provocateur intitulé « Visual Pleasure and Narrative Cinema ». Conçu comme un véritable manifeste féministe, ce premier texte s’inscrit dans la continuité des activités qu’elle mène alors au sein du Women’s Liberation Movement londonien. Devenu une référence incontournable dans le champ des cultural studies, « Visual Pleasure… » inaugure le croisement des théories du genre et des études filmiques en montrant comment les schémas patriarcaux structurent le cinéma hollywoodien : l’homme est au cœur de l’action, puissance motrice entrainant la progression du récit, tandis que la femme est un centre d’attention, un objet de fascination qui suspend provisoirement le cours des événements. Prenant acte de cette forme de conditionnement du plaisir visuel des spectateurs quelle que soit leur identité de genre, Laura Mulvey en appelait à un cinéma instituant autrement notre relation aux images. Si la différence sexuelle est pour Laura Mulvey un levier d’interprétation essentiel de la réception des films, ses analyses se focalisent désormais plus largement sur la question du désir et la façon dont les pratiques de visionnement réinventent les formes et les usages de la fascination cinéphilique : du « spectateur possessif » au « spectateur pensif », le regard bascule, une position de pouvoir devient un désir de savoir.Laura Mulvey est l’auteure de plusieurs essais : Visual and Other Pleasures (1989, rééd. 2009), Fetishism and Curiosity (1996, traduit en français en 2019), Death 24x a Second (2006) et Afterimages : on Cinema, Women and Changing Times (2019) – dont l’impact sur le paysage critique et théorique anglophone demeure considérable.Mardi 31 mars 2026Amphithéâtre des Loges© Droits réservés
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